Rochii celebre în pictură, după care se poate judeca care a fost moda epocii

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Modificat ultima dată: 2023-12-16 00:16

Din timpuri imemoriale, arta și moda s-au influențat reciproc, forțând criticii și fashionistele să urmeze îndeaproape noile tendințe înlocuindu-se în grabă. Și în timp ce unii evaluează imaginea în termeni de caracteristici tehnice, alții au alergat la croitori pentru a obține în curând o rochie exact ca cea a eroinelor descrise pe pânze.

1. Renașterea

Renașterea a fost o perioadă de renaștere culturală și artistică, deoarece clasicismul a revenit revoluționar la societățile europene. Cu toate acestea, această perioadă a cunoscut și schimbări semnificative în modă. Vedeți cum rochiile celebre din picturi au influențat moda în timpul Renașterii.

„Portretul cuplului Arnolfini” de Jan van Eyck este unul dintre elementele principale ale studiului țesăturii în pictura de portret. Îmbrăcămintea de lână verde smarald a femeii și mânecile căptușite cu hermenă demonstrează statutul familiei, deoarece numai cei bogați își permiteau acest tip de țesătură. Lâna, mătasea, catifeaua și blana erau rare și mai scumpe de produs decât bumbacul sau inul și erau un simbol al statutului și al bogăției. Una dintre cele mai controversate întrebări legate de pictură este dacă femeia descrisă (probabil soția lui Arnolfini) este însărcinată. Fustele renascentiste erau atât de luxuriante și grele, încât femeile le ridicau pentru a facilita mișcarea.

Faldurile curbate adăugate ale rochiei arată, de asemenea, o tendință spre reprezentarea femeilor cu burtă pronunțată, deoarece a sugerat conceperea copiilor în timpul căsătoriei. Un alt exemplu în acest sens este Les Très Riches Heures du Duc de Berry de către frații Limburg. În ambele imagini, femeile sunt reprezentate cu burți mai rotunjite. Magnifica carte de ore a ducelui de Berry descrie o nuntă și este comparabilă cu portretul lui Arnolfini, deoarece ambele femei proiectează o imagine a maternității în așteptarea sarcinii. Fără a privi pictura dintr-o perspectivă modernă, o putem vedea ca o înregistrare a ceea ce purtau femeile și a ceea ce era important pentru oameni să le arate altora.

2. Perioadele baroc și rococo

Perioadele baroc și rococo sunt caracterizate de un decor rafinat, decadență și jucăuș. Aceste tendințe s-au manifestat nu numai în artă, ci și în modă prin ornamente complicate și rochii luxoase. Aruncați o privire la unele dintre celebrele rochii inspirate de artă.

Atenția unui artist necunoscut pentru detalii și rochie este ceea ce face din Elizabeth Clark Frick (doamna John Frick) și Little Mary un disc important al puritanilor din New England. În acest look, Elizabeth poartă țesături și accesorii americane fine din anii 1600. Gulerul ei alb din dantelă indică popularul dantelă europeană găsită în rândul femeilor aristocratice. Un jupon din catifea brodată cu aur este vizibil de sub rochia ei, iar panglicile împodobesc mânecile. De asemenea, o femeie are bijuterii: un colier de perle, un inel de aur și o brățară granat, care la rândul său vorbește despre statut și prosperitate. Această pictură oferă o perspectivă unică asupra vieții puritane a Elisabetei și a familiei sale.

De asemenea, merită remarcat faptul că artistul a reușit cu măiestrie să amestece imagini de avere într-un cadru modest. Pictura prezintă în mod clar bogăția lui Elizabeth, evidențiind cele mai frumoase îmbrăcăminte și bijuterii ale sale. De asemenea, reflectă bogăția soțului ei, John Frick, care își putea permite să îndeplinească toate capriciile soției sale cumpărându-i diferite tipuri de ținute și bijuterii. În plus, tabloul simbolizează atitudinea lor puritanică de recunoștință față de Dumnezeu, deoarece fără binecuvântarea Lui nu ar fi putut avea un asemenea lux.

Swing de Jean-Honore Fragonard este un exemplu al stilului rococo din cercurile aristocratice franceze. Pictura a fost comandată în mod privat atunci când un curten francez i-a cerut artistului să-și picteze propriul portret și cel al amantei sale. În ciuda faptului că pictura a fost ținută în spatele ușilor închise, aceasta dezvăluie luxul, frivolitatea și natura secretă a curții regale franceze.

Rochia roz pastel se remarcă printre grădina luxuriantă și este centrul atenției. Jean a pictat rochia cu lovituri de pensulă libere care imită fustele largi și corsetul cu volane ale rochiei sale. Peria sa liberă se potrivește cu complotul acestei scene idilice din grădină, plină de imagini cochete și capricioase.

Pictura sa prezintă, de asemenea, tendințele stabilite în curtea franceză pentru modă. Rococo a depășit moda, arta și arhitectura pentru a crea ceva unic francez. Moda Rococo a inclus cele mai luxoase țesături, inclusiv mătăsuri de culoare pastel, catifele, dantele și modele florale, precum și o cantitate excesivă de funde, pietre prețioase, ornamente ornamentale pentru a crea un aspect pe care curtenii și oaspeții l-ar face. au capetele lor. Stilul a definit diferența dintre săraci și bogați, deoarece aristocrația își putea permite luxul de țesături și ornamente rafinate. Pentru femeile care poartă aceste ținute de inspirație rococo, pictura este simbolul curții regale franceze înainte de revoluție.

3. Rochii celebre în picturile secolului al XIX-lea

Secolul al XIX-lea a cunoscut o trecere artistică de la neoclasicism la modernismul timpuriu, dând loc stilurilor și școlilor de gândire. Acest secol a cunoscut și o schimbare a modei. Citiți mai departe pentru a vedea cum picturile au influențat apariția unor rochii și stiluri celebre, care au fost vizibil mai moderne decât înainte.

Arta pentru artă a devenit asociată cu Simfonia în alb nr. 1 de James Abbott McNeill Whistler, care intenționa să dea picturii un sens spiritual. Criticii, însă, nu au văzut toate acestea, deoarece tabloul o înfățișa pe amanta artistului, îmbrăcată într-o rochie albă deschisă. Drept urmare, acest portret a devenit scandalos. În anii 1800, îmbrăcămintea pentru femei a inclus adesea un jupon de crinolină din oțel. De asemenea, femeile purtau corsete printre o varietate de alte articole de lenjerie pentru a putea crea fuste mai largi.

„Femeia în alb” este opusul complet al ceea ce era la modă și cu un profil înalt la acea vreme. Rochia personajului principal descris în imagine era un fel de lenjerie intimă pe care o putea vedea fie un soț, fie un iubit, deoarece se credea că astfel de haine erau foarte ușor de dat jos. Pentru Whistler, muza sa trebuia să facă parte dintr-o scenă plăcută pentru ochi. El a interpretat-o pe Hiffernan în timp ce o vedea, iar pentru spectatorii de la acea vreme, imaginea era atât confuză, cât și puțin indecentă. Cu toate acestea, odată cu apariția anului 1900, o astfel de rochie a devenit norma pentru îmbrăcămintea de zi cu zi.

James Tissot a creat multe tablouri care descriu moda femeilor la sfârșitul anilor 1800. El a fost înaintea modei europene și este bine cunoscut pentru pictura subiectelor sale cu cele mai recente tendințe de modă în minte. Moda pentru femei a început să se schimbe printre domnișoarele din Paris și Londra la sfârșitul anilor 1800. Fustele largi și grele ale predecesorilor lor victorieni au fost înlocuite cu altele mai înguste, cu pliuri umflate în spate.

În tabloul „Miss Lloyd”, eroina este îmbrăcată într-o rochie așa cum se purta în societate la acea vreme, subliniind talia îngustă și silueta de clepsidră. „Portretul lui Kathleen Newton” (însoțitoarea sa de atunci) este opusul complet al imaginii domnișoarei Lloyd. Artista a portretizat o femeie într-o rochie de parcă ar radia de limbă și seducție. Cu toate acestea, ambele femei au farmecul și misterul lor înconjurător. Rochia în sine simbolizează diferențele de cultură populară din acea vreme. O imagine este tradițională și convențională, în timp ce cealaltă este sincer intimă și scandaloasă pentru spectatorii din anii 1800.

John Singer Sargent a creat imaginea unei femei, care, deși inacceptabilă pentru timpul său, a devenit una dintre cele mai recunoscute și venerate picturi ale sale. Acesta este un portret al doamnei Virginie Gautreau, o frumusețe americană amestecată cu înalta societate franceză. Acest lucru a provocat un astfel de scandal, încât John însuși a trebuit să părăsească Parisul spre Londra.

Corsetul ei este extrem de îndreptat spre abdomenul inferior. Un guler ascuțit, adânc și curele de umăr cu margele acoperă abia umerii și dezvăluie ceea ce erau considerate părți intime ale unei femei, inadecvate expunerii publice. După ce Sargent a prezentat tabloul la Salonul de la Paris din 1884, a provocat indignare din partea criticilor și a spectatorilor, deoarece nu este potrivit ca o femeie căsătorită din clasa superioară să fie într-o formă atât de provocatoare. Publicului din Salon i s-a părut că eroina imaginii purta lenjerie intimă, nu o rochie. Iar reputația lui Gautreau în ochii oamenilor a început să alunece la zero, pentru că mulți o considerau o persoană obscenă. În cele din urmă, Sargent și-a scos numele din portret, redenumindu-l „Madame X”.

4. Rochii celebre în picturile secolului XX

Arta din secolul al XX-lea s-a axat pe abstractizare și expresie, suferind schimbări semnificative cu stiluri și teme noi. De asemenea, a condus la explorarea de noi forme și sinteze de modă și artă. Aici sunt prezentate celebrele rochii prezentate în picturile din secolul al XX-lea.

Rochia aurie a Adelei Bloch-Bauer iese în evidență din restul vestimentației înaltei societăți din vremea ei. În loc să înfățișeze o femeie de clasă superioară care se relaxează într-o grădină sau citește pe o canapea, Klimt o transformă pe Adele într-o figură de altă lume. Rochia ei este o figură învolburată plină de triunghiuri, ochi, dreptunghiuri și iconografie. Nu există semne de corsete drepte sau straturi de îmbrăcăminte. Modernul conține teme ale naturii și imagini mitice. Acest lucru se aplică și modei boeme, pe care Gustav însuși a purtat-o și a folosit-o în diferite alte picturi.

A pictat deseori desene create de designerul de modă Emily Flege. Nu este la fel de cunoscută în lumea modei ca contemporanii sau predecesorii săi, dar a făcut bine în crearea modei pentru femeile din vremea ei. Uneori a fost o colaborare, deoarece Gustav și-a folosit celebrele rochii în multe din celelalte picturi ale sale.

Tamara Lempicka a creat portrete care au explorat feminitatea și independența în anii 1920. Artista Art Deco a devenit cunoscută pentru portretele sale de vedete care au explorat forma stilizată și lustruită a cubismului care a devenit marca ei comercială. Ira Perrault (o prietenă apropiată și probabil amantă a lui Lempicki) este văzută ca o manifestare literală a muzicii în La Musicienne. Ceea ce face ca imaginea să iasă în evidență este reprezentarea unei rochii albastre. Tehnica dură de turnare a umbrelor Tamara, cu paleta ei bogată de culori, dă mișcare rochiei, astfel încât să pară plutind în aer. Tivul scurt al rochiei și pliurile curgătoare amintesc încă de moda anilor 1920, care a fost un punct de cotitură în moda femeilor. Femeile purtau rochii care le expuneau picioarele și brațele și fuste plisate care făceau mai ușor dansul.

Tamara a fost inspirată și studiată de maeștrii Renașterii și a folosit teme similare cu o abordare modernă. În mod tradițional, albastrul poate fi văzut pe rochiile Fecioarei Maria în picturile medievale sau renascentiste. Albastrul ultramarin era rar și era folosit pentru picturi semnificative.

Țesăturile mexicane colorate și lucrate manual sunt țesute în opera Frida Kahlo. Ea a îmbrățișat aceste haine ca parte a moștenirii sale și le-a purtat în numeroase autoportrete și fotografii. Celebrele rochii din The Two Fridas simbolizează legăturile ei de ambele părți ale moștenirii sale europene și mexicane.

Frida din stânga reflectă creșterea ei într-o familie de clasă mijlocie superioară. Tatăl ei era originar din Germania, iar viața domestică în copilărie conținea obiceiuri occidentale. Dantela albă a rochiei simbolizează stilul popular în moda europeană. Această versiune occidentalizată contrastează cu dorința de dreapta Frida de a-și îmbrățișa moștenirea mexicană purtând o rochie tradițională. Aceste haine sunt ceva pe care soțul ei Diego Rivera l-a încurajat, mai ales în lupta lor de a-și schimba țara. Rochia și-a arătat mândria de a purta haine locale și tradiționale din Mexic.

Îmbrăcămintea lui Kahlo este un aspect important al vieții și muncii ei. După ce a contractat poliomielita în copilărie și un picior a devenit mai scurt decât celălalt, fustele colorate au devenit o modalitate pentru ea de a-și ascunde piciorul în așa fel încât să o protejeze de control. Garderoba artistului a inclus rochii tehuana, bluze huipil, rebozo, coafuri florale și bijuterii antice. Aceste piese vestimentare pentru Kahlo sunt o ilustrare a iubirii, durerii și suferinței ei, pe care a inclus-o în lucrarea ei.

Despre, cum sa schimbat kimono-ul de-a lungul secolelor și ce rol a jucat în artă și moda modernă, citiți articolul următor.