Modul în care picturile unor artiști celebri au devenit parte a modei, modelând un nou stil al secolului al XX-lea

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Modificat ultima dată: 2023-12-16 00:16

Legăturile dintre artă și modă definesc momente specifice din istorie. Ambele mijloace reflectă schimbările sociale, economice și politice de la anii douăzeci și până la anii optzeci. Iată patru exemple de artiști și designeri de modă care, prin munca lor, au contribuit la modelarea unei noi perspective asupra artei și modei din secolul XX.

1. Halston & Warhol: Fashion Brotherhood

Prietenia dintre Roy Halston și Andy Warhol a definit lumea artistică. Atât Roy, cât și Andy au fost lideri care au pregătit calea pentru a face din artist / designer o celebritate. Au eliminat stigmatul pretențios al lumii artei și au adus moda și stilul maselor. Warhol a folosit serigrafia de mai multe ori pentru a crea imaginile. Deși cu siguranță nu a inventat procesul, a revoluționat ideea producției în serie.

Roy a folosit țesături și modele care erau simple și elegante, dar pline de farmec, folosind paiete, ultra și mătase. A fost unul dintre primii care a făcut moda americană accesibilă și dezirabilă. Ambele și-au lăsat ultima amprentă asupra artei și stilului în anii 1960, 70 și 80, care continuă până în prezent.

Atât Roy cât și Andy au lucrat împreună la multe proiecte diferite. Warhol a creat campanii publicitare care au prezentat îmbrăcămintea lui Halston și chiar pe Halston însuși. La rândul său, Halston a folosit imprimeul floral Warhol în unele dintre colecțiile sale de îmbrăcăminte, de la rochii de seară la seturile de agrement.

Roy a folosit modele simple în haine, ceea ce le-a făcut foarte mare succes. Erau ușor de purtat, dar aveau și un plus de lux datorită țesăturilor, culorilor și imprimeurilor. De asemenea, Warhol și-a simplificat materialele și procesul. Acest lucru a făcut mai ușoară reproducerea operei sale și le-a făcut mai comercializabile.

Succesul comercial a avut propriile provocări pentru ambii artiști. Halston a fost primul partener cu lanțul de retail JCPenney în 1982 și acest lucru a afectat calitatea mărcii sale. Warhol a fost, de asemenea, întâmpinat cu critici, deoarece opera sa a fost percepută ca superficială. Cu toate acestea, ambele și-au modernizat utilizarea comerțului cu amănuntul și a marketingului în spațiile respective pentru a crea mărci pentru vânzări pe piață.

Roy și Andy erau frecvent vizitatori la Studio 54. Au organizat petreceri, au proiectat și au produs lucrări pentru vedete precum Liza Minnelli, Bianca Jagger și Elizabeth Taylor. Toate acestea se reflectă în munca lor, deoarece au inspirat și definit epoca disco din anii 1970.

Halston era cunoscut pentru crearea de îmbrăcăminte sclipitoare de seară. Roy a așezat paietele pe orizontală pe material, creând un efect strălucitor al materialului pe care l-a folosit pentru a crea ținute de lux îndrăgite de multe doamne pline de farmec.

Seria de pantofi Warhol Diamond Dust ilustrează, de asemenea, viața de noapte a Studio 54 și a vedetelor care locuiesc acolo. Praful de diamant este ceea ce a folosit peste șabloane sau picturi, creând un element suplimentar de adâncime pentru piesă. Și pantofii lui au fost inițial ideea pentru campania publicitară a lui Halston. În orice caz, acești doi au adus o contribuție uriașă la modă, lăsând în urmă o urmă de neșters. Într-adevăr, chiar și astăzi, mulți designeri moderni sunt inspirați de ideile lui Andy și Roy, creând colecții magnifice cu ecouri din trecut.

2. Sonia Delaunay: Când arta devine modă

Sonia Delaunay nu numai că a revoluționat o nouă formă de cubism, ci a introdus și legătura dintre artă și modă. Atât Delaunay, cât și soțul ei au fost pionieri ai orfismului și au experimentat diferite forme de abstractizare în artă. A fost prima de acest gen care și-a folosit propriul stil artistic și s-a mutat în lumea modei folosind desenele, amprentele sau modelele sale originale din material textil. Este mai amintită pentru arta și legătura cu soțul decât pentru moda ei. Stilul ei a jucat un rol major în anii 1920, iar catalogul ei de îmbrăcăminte este amintit mai mult pentru fotografii și referințe la arta ei decât hainele în sine. Pentru Sonya, a existat și nu există graniță între artă și modă. Pentru ea, sunt una și aceeași.

Și-a început activitatea de modă în anii 1920, creând haine pentru clienți și proiectând țesături pentru producători. Sonya și-a numit eticheta Simultane și a mers chiar mai departe cu utilizarea culorii și a modelelor pe diferite subiecte. Simultaneitatea a jucat un rol important în munca ei, iar tehnica ei neobișnuită amintea de o plapumă patchwork sau textile din Europa de Est: culorile erau suprapuse unele pe altele, iar modelele erau folosite pentru a crea armonie și ritm. Temele sale comune includ pătrate / dreptunghiuri, triunghiuri și linii diagonale sau sfere - toate acestea se suprapun în diferitele sale modele.

Delaunay era o femeie tânără în epoca eduardiană, când corsetele și conformitatea erau norma. Acest lucru s-a schimbat în anii 1920, când femeile au început să poarte fuste deasupra genunchiului și îmbrăcăminte largi și potrivite. Acest aspect poate fi văzut în desenele lui Delaunay și era pasionată de crearea de haine care să se potrivească nevoilor femeilor. Sonya a dezvoltat costume de baie care permiteau femeilor să se simtă mai confortabil, chiar și atunci când practică sport și înot. Ea și-a pus amprentele pe paltoane, pantofi, pălării și chiar mașini, folosind orice suprafață ca pânză. Desenele sale au creat libertatea de mișcare și de exprimare prin culoare și formă.

De-a lungul carierei sale, s-a încercat constant în ceva nou și, ca rezultat, s-a mutat la cinema și teatru. Sonia a conceput costumele pentru Micul parizian al lui Rene Le Somptier, în timp ce soțul ei a realizat scenariul pentru film. Îi plăcea formele geometrice, combinându-le cu pricepere și amestecându-le între ele, creând modele bizare și linii rupte care i-au devenit semnul distinctiv.

3. Colaborare între Elsa Schiaparelli și Salvador Dali

Avangarda artei suprarealiste este combinată cu liderul modei suprarealiste. Salvador Dali și designerul de modă Elsa Schiaparelli s-au colaborat și s-au inspirat reciproc pe parcursul carierei lor. Au creat look-uri iconice, cum ar fi Rochia cu homar, pălăria de pantofi și rochia de lacrimă, care au șocat și au inspirat publicul atât în artă, cât și în modă. Dali și Schiaparelli au deschis calea viitoarei colaborări între designeri de modă și artiști, reducând decalajul dintre ceea ce este considerat artă purtabilă și modă. Dali a folosit homarii ca temă recurentă în opera sa și a fost interesat de anatomia lor.

Rochia „Omar” este o lucrare comună a lui Elsa și Dali, iar creația lor a provocat multe controverse nu numai în ziua debutului, ci și după. În primul rând, are un corset pur și o fustă albă din organza. Ținuta neobișnuită a aruncat în aer literal lumea modei, provocând multe controverse asupra acestui scor. Utilizarea pânzei albe contrastează și cu culoarea roșie a homarului. Albul poate fi considerat virgin sau simbolizează puritatea în comparație cu roșu, ceea ce poate însemna relaxare, putere sau pericol.

Scheletele sunt o altă temă întâlnită în arta suprarealistă și au fost folosite în mai multe colaborări între Dali și Schiaparelli. Rochia Skeleton a fost prima de acest gen. Elsa a folosit o tehnică numită trapunto, în care două straturi de țesătură sunt cusute împreună, creând un contur în care se introduce bătătura, creând astfel un efect ridicat. Această tehnică creează o suprafață texturată pe o țesătură plană, oferind iluzia că oasele umane proeminente prin rochie. Acest lucru a provocat un scandal, deoarece rochia a fost confecționată dintr-un material elastic care a aderat la piele. Fanteziile picturilor și desenelor lui Dali au fost întruchipate în lumea ireală a ținutelor lui Schiaparelli, care până astăzi fac o impresie de neșters atât pentru spectatori, cât și pentru designeri.

4. Yves Saint Laurent: ciocnirea artei și inspirației

Unde este linia dintre imitație și apreciere? Criticii, publicul, artiștii și designerii s-au străduit să stabilească unde merge această linie. Cu toate acestea, când a venit vorba de Yves Saint Laurent, intențiile sale nu erau altceva decât lingușire și admirație pentru artiștii și picturile pe care le-a folosit ca inspirație. Privind la portofoliul său vast, Saint Laurent a fost inspirat de culturi și artă din întreaga lume, pe care le-a încorporat cu succes în îmbrăcămintea sa.

Deși Yves nu s-a întâlnit niciodată cu artiștii care l-au inspirat, acest lucru nu l-a împiedicat să creeze lucrări de artă în semn de respect pentru ei. Laurent s-a inspirat de la artiști precum Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque și Picasso. A fost colecționar de artă și a colectat picturi de Picasso și Matisse, pe care le-a agățat în casa sa.

Yves a luat unele dintre motivele de artă și le-a transformat în îmbrăcăminte uimitoare care aduce un omagiu unora dintre artiștii săi preferați. Anii 1960 au fost o perioadă de revoluție și comercialism, o nouă eră a modei și a artei. Proiectele Saint Laurent au câștigat succes comercial când a început să se inspire din arta pop și din abstractizare. În 1965, a creat douăzeci și șase de rochii inspirate de picturi abstracte de Piet Mondrian. Rochiile au întruchipat utilizarea de către Mondrian a formelor simpliste și a culorilor primare îndrăznețe. Yves a folosit o tehnică în care nu erau vizibile cusături între straturile de țesătură, ceea ce a dat impresia că hainele erau o bucată întreagă. Saint Laurent a luat arta lui Mondrian din anii 1920 și a făcut-o purtabilă față de anii 1960.

Rochiile la modă sunt exemple clasice ale stilului anilor 1960. Erau similare cu îmbrăcămintea anilor 1920, care era mai puțin constrânsă și avea mâneci și tivuri care expun petele mari de piele. Siluetele pătrate Saint Laurent au făcut femeile să se simtă ușoare și libere. Acest lucru l-a condus, de asemenea, la inspirație de la artiști de artă pop, precum Tom Wesselman și Andy Warhol. El a creat o linie de modele inspirate de arta pop, care prezentau siluete și decupaje pe îmbrăcăminte. A fost vorba de depășirea limitărilor a ceea ce este abstractizarea în artă și comercializarea designului. Laurent a reunit aceste două idei împreună pentru a crea haine pentru femei care să fie libere și atractive pentru doamnele moderne.

Jachetele Vincent Van Gogh de la Saint Laurent sunt un exemplu al modului în care Yves a combinat inspirația artistului cu propriile sale talente de design. La fel ca celelalte articole de îmbrăcăminte ale sale, temele legate de artiști nu au fost copiate și lipite pe hainele Saint Laurent. În schimb, a ales să le folosească ca sursă de inspirație și să creeze piese care să reflecte propriul stil. Geaca este un exemplu al stilului anilor 80, care este brodat cu floarea-soarelui în stilul pitoresc al lui Van Gogh.

Laurent a colaborat cu Maison Lesage, un lider în broderii de înaltă modă. Jacheta „Floarea-soarelui” este brodată cu mărgele tubulare. Florile sunt umplute cu diferite nuanțe de strălucire portocalie și galbenă. Acest lucru creează o textură multidimensională similară tehnicii lui Van Gogh de a aplica vopsea groasă pe pânză. Se estimează că este unul dintre cele mai scumpe articole de haute couture fabricate și vândute vreodată la Christie pentru aproape patru sute de mii de euro. Saint Laurent a deschis calea pentru a purta îmbrăcămintea ca operă de artă în sine, indiferent de modă și perioadă de timp.

Continuând subiectul, citiți și despre ceea ce a condus-o pe Saeko Yamaguchi la succes, făcând-o una dintre cele mai iubite muze ale lui Kenzo și Yamamoto.