7 femei suprarealiste talentate care ar putea fi rivale demne ale Fridei Kahlo

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Modificat ultima dată: 2023-12-16 00:16

Suprarealismul nu a fost doar o mișcare artistică, ci și o dorință de libertate, cuprinzând toate aspectele vieții. După cum spunea Meret Oppenheim, femeile suprarealiste trăiau și lucrau cu „dorința conștientă de a fi libere”. La fel ca omologii lor bărbați, femeile suprarealiste erau, de asemenea, activiste politice, avocate pentru drepturile femeii și luptătoare revoluționare. Au trăit vieți extraordinare ca indivizi liberi, inventându-și propria frumusețe și demnitate, exprimând energie imediată, atractivitate și umor și nu este surprinzător faptul că unii dintre ei au depășit nu numai artiștii de sex masculin, ci și legendarul Frida Kahlo, ale cărui picturi au fost folosite de mulți ani.imens popular în toată lumea.

Când Violetta Nozières, în vârstă de optsprezece ani, a mărturisit că și-a otrăvit tatăl la 21 august 1933, presa franceză a explodat cu indignare împotriva ei. Conform opiniei publice, Violetta era o „fată neserioasă”, arătând tendințe caracteristice femeilor „emancipate” nou-făcute, ducând o viață dizolvată, spre deosebire de colegii ei harnici. Nu a contat dacă acuzațiile erau adevărate, în orice caz, presa a decis să-i facă un țap ispășitor.

Și totuși, exista încă o voce solitară a dezacordului: suprarealiștii și-au arătat sprijinul pentru creativitatea colectivă, alegându-l pe Violetta drept Îngerul Negru, o muză care i-ar inspira să lupte continuu împotriva mentalității burgheze și a miturilor sale despre lege și ordine, logică. și rațiune. Sistemul care a dus la inegalitatea socială a erei postindustriale și la groaza primului război mondial a fost, conform suprarealiștilor, iremediabil defectuos. Pentru a o învinge, nu era nevoie doar de o revoluție politică, ci și de o revoluție culturală.

Astfel, emanciparea femeilor a fost fundamentală pentru răsturnarea capitalismului și a patriarhatului, începând cu o provocare a percepției burgheze a femeilor ca inerent bune, altruiste, supuse, ignorante, evlavioase și ascultătoare.

Poezie. Libertate. Dragoste. Revoluția. Suprarealismul nu este un escapism capricios, ci o conștientizare extinsă. Lipsa granițelor și cenzura a oferit un loc sigur pentru a discuta și procesa trauma colectivă din Primul Război Mondial și a oferit, de asemenea, o ieșire pentru nevoile creative ale femeilor.

Deși au fost binevenite și implicate activ în mișcare, înțelegerea suprarealistă a femeilor era încă foarte adânc înrădăcinată în stereotipurile de idealizare. Femeile erau fie percepute ca muze și obiecte de inspirație, fie trezeau admirație ca figuri infantile înzestrate cu o imaginație vie datorită naivității și predispoziției lor la isterie.

Prin munca femeilor suprarealiste identitățile femeilor au avut cu adevărat șansa de a înflori, ferm înrădăcinate în lumea artei, deoarece și-au însușit mitul muzei pentru a-și exprima întregul potențial de creatori activi. amintite în principal pentru relațiile lor, adesea sentimentale.cu artiști de sex masculin. Abia recent munca lor a fost analizată independent și acordată atenția pe care o merită.

1. Valentine Hugo

Valentina Hugo s-a născut în 1887 și a primit o educație academică ca artist care a studiat la Școala de Arte Plastice din Paris. Crescând într-o familie iluminată și progresistă, ea a urmat urmele tatălui ei, devenind ilustratoare și desenatoare. Cunoscută pentru munca ei cu baletul rus, ea a dezvoltat legături profesionale puternice cu Jean Cocteau. Prin Cocteau, Hugo l-a cunoscut pe viitorul ei soț Jean Hugo, strănepotul lui Victor Hugo și pe André Breton, fondatorul mișcării suprarealiste, în 1917.

Datorită acestei prietenii, ea a devenit din ce în ce mai apropiată de nou-formatul grup de artiști, printre care Max Ernst, Paul Eluard, Pablo Picasso și Salvador Dali. În acest timp, s-a alăturat Biroului de studii suprarealiste și și-a expus lucrările în saloane suprarealiste în 1933 și în expoziția de artă fantastică, Dada, suprarealism la Muzeul de artă modernă în 1936.

Suicidă de colegii ei suprarealisti Rene Crevel și de plecarea lui Tristan Tzara și Éluard, a părăsit grupul suprarealist pentru totdeauna. În 1943, cuvântul ei a fost inclus în Expoziția Peggy Guggenheim a 31 de femei. Prima ei expoziție retrospectivă a avut loc la Troyes, Franța, în 1977, la zece ani după moartea sa.

2. Meret Oppenheim

Meret Oppenheim s-a născut la Berlin în 1913, dar s-a mutat în Elveția la începutul primului război mondial. Mama și bunica ei, care au crescut într-o familie prosperă, erau sufragete. Bunica a fost una dintre primele femei care au studiat pictura. La casa ei din Karon, Meret a întâlnit mulți intelectuali și artiști, precum pictorii dadaiști Hugo Ball și Emmy Hennings, precum și scriitorul Hermann Hesse, care s-a căsătorit cu mătușa ei (și mai târziu a divorțat de ea).

Tatăl ei, medic, era un prieten apropiat al lui Carl Jung și frecventa frecvent prelegerile sale: el l-a introdus pe Meret în psihologia analitică și a încurajat-o să țină un jurnal de vis de la o vârstă fragedă. Datorită acestor cunoștințe, Meret a fost poate singurul suprarealist care avea o autoritate în psihanaliză. În mod curios, ea a fost și una dintre puținele suprarealiste care au preferat-o pe Jung în locul lui Freud.

În 1932, s-a mutat la Paris pentru a-și continua cariera artistică, luând contact cu suprarealismul prin intermediul sculptorului elvețian Alberto Giacometti. Curând s-a împrietenit cu restul grupului, care la acea vreme îi includea pe Man Ray, Jean Arp, Marcel Duchamp, Dali, Ernst și Rene Magritte.

Așezat într-o cafenea pariziană cu Picasso și Dora Maar în 1936, Picasso a observat o brățară neobișnuită căptușită cu blană concepută pentru casa Elsei Schiaparelli pe încheietura mâinii Oppenheim. Într-o versiune explicită a evenimentelor, Picasso a comentat câte lucruri de care se bucura ar putea fi îmbunătățite cu o bucată de blană, la care Oppenheim a răspuns: „Chiar și această cană și farfurioară?”

Rezultatul acestei bătăi de joc a fost cel mai faimos obiect suprarealist al lui Oppenheim, Déjeuner en Fourrure, care a fost cumpărat de Alfred Barr pentru nou-creatul Muzeul de Artă Modernă. Considerată „chintesența unui obiect suprarealist”, cupa căptușită cu blană a devenit prima lucrare a artistului din colecția permanentă a muzeului. În timp ce munca ei a fost primită cu entuziasm de colegii săi de sex masculin, ea încă se străduia să se impună ca artistă în meritele sale și să evite să fie o muză și un obiect de inspirație.

Natura sa independentă, emanciparea și răzvrătirea au făcut-o în ochii colegilor de sex masculin o întruchipare fetișă a femeii-enfant. Această luptă pentru identitate, impactul antisemitismului asupra practicilor tatălui ei și diaspora suprarealistă din timpul celui de-al doilea război mondial au forțat-o pe Meret să se întoarcă în Elveția. Aici a căzut într-o depresie profundă și a dispărut din ochii publicului timp de aproape douăzeci de ani.

Lucrând activ pe parcursul anilor 1960 și 70, în cele din urmă s-a distanțat de mișcare, respingând referințele la suprarealism din vremea lui Breton. Simpatică față de feminism, însă, ea nu și-a trădat niciodată credința jungiană că nu există nicio diferență între bărbați și femei, refuzând ferm să participe la expoziții „doar pentru femei”.

Misiunea ei în viață a fost de a sparge convențiile și stereotipurile de gen, transcendând complet diviziunea de gen și recâștigând libertatea completă de exprimare., - ea a spus.

3. Valentine Penrose

Una dintre cele mai critice și ireverențiale artiști suprarealiste, Valentina Penrose și-a dedicat o mare parte din viață distrugerii percepției burgheze a femeilor ca inițial bune, neegoiste, veneratoare de soți, supuse, ignorante, evlavioase, harnice, soții și fiice ascultătoare.

Una dintre primele femei care s-au alăturat mișcării, Penrose a fost fascinată de exemplele femeilor neortodoxe și a trăit ea însăși o viață neconvențională. Născută în 1978 sub numele de Valentina Bouet, s-a căsătorit cu istoricul și poetul Roland Penrose în 1925, luându-și numele de familie. S-a mutat împreună cu soțul ei în Spania în 1936 pentru a se alătura miliției muncitorilor în apărarea revoluției. Interesul ei pentru misticism și filosofia orientală a condus-o în repetate rânduri în India, unde a studiat sanscrita și filosofia orientală. Valentina a fost deosebit de interesată de tantrism, în care a descoperit o alternativă valoroasă la obsesia suprarealistă cu atracția „genitală”, influențată de psihanaliza lui Freud.

Ea credea că viziunea suprarealistă a femeilor ca „o altă jumătate” necesară nu a reușit în cele din urmă să elibereze femeile de rolurile lor burgheze și le-a împiedicat să găsească o cale independentă. Interesul ei tot mai mare pentru ocultism și esoterism a condus în cele din urmă la o pană între ea și soțul ei, ducând la divorț în 1935. În anul următor, a călătorit din nou în India alături de prietena și iubita sa Alice Paalen. Dar după separarea celor două femei, lesbianismul a devenit o temă recurentă în opera lui Penrose, adesea centrată în jurul personajelor Emily și Rubia. Înfățișând aventurile a doi iubiți care călătoresc prin lumi fantastice, cartea este o colecție fragmentată de poezie bilingvă și colaje juxtapuse, organizate fără succesiune și cu un nivel crescut de complexitate.

Provocând întotdeauna stereotipul femeii ideale, în 1962 și-a publicat cea mai faimoasă lucrare, biografia romantică a criminalului în serie Erzbieta Bathory, contesa sângeroasă. Romanul, care urmează unui monstru gotic lesbian, a necesitat ani de cercetare în Franța, Marea Britanie, Ungaria și Austria. Întotdeauna închisă fostului ei soț, ea și-a petrecut ultimii ani din viață în ferma sa alături de a doua sa soție, fotograful american Lee Miller, cunoscută și sub numele de Lady Penrose.

4. Claude Caon

Claude Caon a creat multe personaje diferite pentru a evita discriminarea și prejudecățile, începând cu alegerea unui pseudonim, un nume neutru de gen pe care l-a purtat pentru cea mai mare parte a vieții sale. Kaon este un exemplu simbolic de artist care, deși a rămas aproape necunoscut în zilele sale, a câștigat popularitate și recunoaștere în ultimii ani, fiind unul dintre cele mai faimoase dintre femeile suprarealiste. Adesea considerată precursora artei feministe postmoderne, arta ei de gen și definiția extinsă a feminității pe care a pus-o înainte au devenit precedente fundamentale în discursul postmodern și feminismul din al doilea val.

Caon a intrat în contact cu suprarealiștii prin Asociația Écrivains et Artistes Révolutionnaires, unde a cunoscut-o pe Breton în 1931. În anii următori, ea a expus în mod regulat împreună cu grupul: celebra ei fotografie a lui Sheila Legg stând în Trafalgar Square a apărut în numeroase reviste și publicații.

Claude a trăit cu sora vitregă și partenerul ei pe tot parcursul vieții, Suzanne Malherbe, care a adoptat și pseudonimul masculin Marcel Moore. Inegalitatea salarială a lipsit în mod deliberat femeile de oportunitatea de a fi autosuficiente, așa că au trebuit să se bazeze pe sprijinul economic al părintelui Kaon pentru a supraviețui. Fără un public extern, arta lui Kaon a fost creată în primul rând într-un mediu casnic, oferind o privire nefiltrată asupra experimentării lor artistice. Folosind măști și oglinzi, Claude a contemplat natura identității și pluralitatea acesteia, stabilind un precedent pentru artiștii postmoderni precum Cindy Sherman.

Cu fotografiile sale, Claude a respins și transcend miturile moderniste (și suprarealiste) despre feminitatea esențială și femeia ideală, prezentând ideea postmodernă că genul și atractivitatea sunt de fapt construite și executate și că realitatea nu se învață pur și simplu prin experiență, ci este definită prin discurs. În timpul invaziei germane, Claude și Marsilia au fost arestați pentru eforturile lor antifasciste și condamnați la moarte. Deși au trăit pentru a vedea ziua eliberării, sănătatea lui Claude nu s-a mai recuperat pe deplin, iar în cele din urmă a murit la vârsta de șaizeci de ani în 1954. Marcel a supraviețuit-o câțiva ani, după care, în 1972, s-a sinucis.

5. Maria Cherminova (Toyen)

Maria Cherminova, mai bine cunoscută sub numele de Toyen, a făcut parte din suprarealismul ceh, lucrând alături de poetul suprarealist Jindřich Štyrski. La fel ca Kaon, Toyen a adoptat și un pseudonim neutru din punct de vedere al genului. Un personaj ambiguu, Toyen a sfidat complet convențiile de gen, purtând atât îmbrăcăminte masculină, cât și feminină și adoptând pronume de ambele sexe. Deși era sceptică față de suprarealismul francez, opera sa a coincis în mare măsură cu mișcarea bretonă și, prin anii 1930, artista devenise un membru integrant al suprarealismului. Mereu transgresor, interesul lui Toyen pentru umorul negru și erotism a consolidat-o în tradiția suprarealistă a artei hipersexuale și ireverențiale, influențată de operele marchizului de Sade.

În 1909, Apollinaire a găsit unul dintre rarele manuscrise ale lui De Sade în Biblioteca Națională din Paris. Adânc impresionat, el l-a descris ca „cel mai liber spirit care a trăit vreodată” în eseul său L'oeuvre du Marquis de Sade, contribuind la o reapariție a popularității lui De Sade printre pictorii suprarealisti. De Sade, în numele căruia provin sadismul și sadismul, și-a petrecut cea mai mare parte a vieții fie în închisoare, fie în spitale mentale pentru scrisul său care combina discursul filosofic cu pornografia, blasfemia și fanteziile erotice ale violenței. În ciuda cenzurii severe, cărțile sale au influențat cercurile intelectuale europene în ultimele trei secole.

La fel ca boemii dinaintea lor, suprarealiștii au fost intrigați de poveștile sale, identificându-se cu personalitatea revoluționară și provocatoare a lui De Sade și admirând atacurile sale conflictuale asupra gustului și rigidității burgheze. Amestecând violența și atracția, atitudinea sadică a devenit un mijloc de eliberare a impulsurilor înnăscute ascunse în subconștient: - citiți Primul Manifest al Surrealismului. Toyen a adus un omagiu scriitorului libertin cu o serie de ilustrații erotice pentru traducerea în cehă a lui Justine a lui Shtyrsky.

Cu toate acestea, aspectul politic niciodată prezent al artei lui Toyen a devenit mai pronunțat pe măsură ce situația politică din Europa s-a deteriorat: seria Tyr dezvăluie natura distructivă a războiului prin iconografia jocurilor pentru copii. S-a stabilit la Paris în 1948 după preluarea comunistă în Cehoslovacia, Toyen a rămas activă până la moartea sa în 1980, continuând să lucreze cu poetul și anarhistul Benjamin Pere și cu artistul ceh Jindrich Heisler.

6. Itel Kohun

Separați în timpul celui de-al doilea război mondial, suprarealiștii din a doua generație au avut tendința de a se distanța de mainstream, dezvoltându-și propriile direcții de cercetare. Artistele de sex feminin au preluat ideea suprarealistă a femeii mitice și au transformat-o într-o imagine puternică a unei vrăjitoare și a unei ființe care îi controlează puterile transformatoare și generative. Femme-enfant, care a inspirat prima generație de femei suprarealiste, este acum femeie-sorciere, stăpânul propriei puteri creatoare.

În timp ce artiștii de sex masculin păreau să necesite un mediu extern, adesea un corp feminin, ca mediu pentru subconștientul lor, artiștii de sex feminin nu aveau astfel de bariere, folosindu-și propriile corpuri ca bază pentru căutarea lor. E-alteritatea, alter ego-ul prin care femeile artiste și-au explorat eul interior, nu a fost sexul opus, ci natura însăși, adesea descrisă prin animale și creaturi fantastice.

Pentru generația lor, supraviețuitorul a două războaie mondiale, o depresie economică și o revoluție eșuată, magia și primitivismul au fost eliberatoare. Pentru artiști, magia era un mijloc de schimbare, unind și oprind dezvoltarea artei și științei, o alternativă atât de necesară la religie și pozitivism, care a dus la atrocitățile războiului. În cele din urmă, pentru femei, ocultismul a devenit un mijloc de răsturnare a ideologiilor patriarhale și de împuternicire a sinelui feminin.

Nu este surprinzător faptul că Itel Kohun s-a interesat de ocult la vârsta de șaptesprezece ani după ce a citit Crowley's Abbey of Thelema. Educată la Școala de Artă Slade, s-a mutat la Paris în 1931. Cu toate acestea, în Marea Britanie cariera ei a decolat de fapt: după ce a susținut o serie de expoziții solo, la sfârșitul anilor 1930 a devenit una dintre figurile proeminente ale suprarealismului britanic. Afilierea ei la mișcare a fost de scurtă durată și a plecat după un an, când a fost nevoită să aleagă între suprarealism și ocultism.

În timp ce continua să se definească ca artist suprarealist, ruperea legăturilor formale cu mișcarea i-a permis să dezvolte o estetică și o poezie mai personale. În felul ei, ea a folosit multe tehnici suprarealiste, cum ar fi frotajul, decalomania, colajul și, de asemenea, și-a dezvoltat propriile jocuri de inspirație, cum ar fi parsemage și grafomania entoptică. Regizând forța întunecată, Itel a recunoscut la femei potențialul creației, mântuirii și învierii, care le-a legat de natură și spațiu.

Lucrarea ei, trasând paralele între conservarea naturii și emanciparea femeilor, a creat un puternic precedent pentru dezvoltarea în continuare a ecofeminismului. Căutarea zeiței pierdute a fost o reuniune a femeilor cu Natura și redescoperirea propriei puteri, o călătorie care duce la întoarcerea cunoașterii și puterii.

7. Leonora Carrington

Una dintre cele mai longevive și mai prolifice femei suprarealiste, Leonora Carrington a fost o artistă britanică care a fugit în Mexic în timpul diasporei suprarealiste. S-a născut în 1917 într-un bogat producător britanic de textile și o mamă irlandeză. Datorită comportamentului ei rebel, a fost expulzată din cel puțin două școli. Cu mai mult de douăzeci de ani mai tânăr decât majoritatea suprarealiștilor, Carrington a intrat în contact cu mișcarea exclusiv prin expoziții și publicații.

În 1937, l-a cunoscut pe Max Ernst la o petrecere din Londra. Au devenit imediat apropiați și s-au mutat împreună în sudul Franței, unde s-a separat repede de soția sa. În acest moment, a fost scrisă una dintre cele mai faimoase lucrări ale sale, „Autoportret”. Odată cu izbucnirea celui de-al doilea război mondial, Ernst a fost internat ca „străin nedorit”, dar a fost eliberat datorită mijlocirii lui Eluard. Arestat recent de Gestapo, el a scăpat cu ușurință dintr-o tabără de internare, determinându-l să caute refugiu în state, unde a emigrat cu ajutorul lui Peggy Guggenheim și Varian Fry.

Necunoscând nimic despre soarta lui Ernst, Leonora și-a vândut casa și a fugit în Spania neutră. Devastată, a suferit o cădere mentală la Ambasada Britanică la Madrid. Spitalizată, a fost tratată cu terapie de șoc și medicamente grele care au determinat-o să halucineze și să se stingă. După un tratament, femeia a fugit la Lisabona și apoi în Mexic. Acolo s-a căsătorit cu ambasadorul mexican Renato Deluc și a trăit cu el pentru tot restul vieții până la moartea sa în 2011. Căutarea ei pentru spiritualitate feminină s-a bazat pe eseul lui Groves din 1948, Zeița albă, care a stârnit un interes reînnoit pentru mitologia păgână. pentru femeile suprarealiste era mitul originilor matriarhale ale umanității. Inspirate de această nouă mitologie, femeile suprarealiste din Second Wave au imaginat societăți egalitare fantastice în care oamenii și natura trăiau în armonie: o viziune a viitorului creată prin femei.

Arta este atât de polifacetică încât uneori este dificil să te hotărăști ce îți place și să atragi atenția. Pictura digitală nu a făcut excepție., ceea ce, surprinzător, ridică multe întrebări, provocând duble senzații și impresii. În plus, foarte puțini oameni știu despre modul în care această lucrare a devenit parte a marii arte, pentru care astăzi mulți fani ai acestei tendințe sunt gata să plătească o sumă ordonată.