De ce se crede că un bun artist ar trebui să fie sărac și nefericit

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Modificat ultima dată: 2023-12-16 00:16

Artiștii contemporani au dezamăgit cu succes mitul că trebuie să arate cu siguranță excentric, purtând o beretă veche peste părul lung și o vestă. Majoritatea creatorilor arată elegant și chiar impresionant. Dar nu au reușit să facă față tuturor stereotipurilor. De exemplu, există încă o credință că un artist talentat ar trebui să fie sărac. Și cu siguranță suferă. Fie că este vorba de dragoste nefericită, obiceiuri proaste sau doar circumstanțele vieții, sărăcia nu ar trebui să fie singurul viciu. De unde a venit și sunt artiștii și alți creatori cu adevărat săraci și nefericiți?

Dacă ne îndreptăm imediat spre fapte, atunci UNESCO, de exemplu, a determinat perioada dintre pictarea unui tablou și recunoașterea sa la nivel mondial (desigur, în general, cu condiția să fie recunoscută) la 50 de ani. Un moment uriaș, dacă îl luăm în considerare în contextul vieții umane, și nu în istoria lumii. Nu de aceea majoritatea artiștilor, fără a primi recunoaștere în timpul vieții, au murit în sărăcie? Aceasta înseamnă că acest stereotip nu este altceva decât o observație a vieții, înțelepciunea populară.

Mai mult, acest principiu este potrivit nu numai în cazul artiștilor și al creațiilor lor, ci și pentru orice creator și inovator. Fie că este o persoană creativă, un matematician sau un programator. Societatea și economia de piață nu acceptă imediat ceva nou din punct de vedere conceptual. Desigur, dacă vorbim despre artiști, atunci dacă acest creator decorează ceea ce se vinde acum, atunci poate câștiga bani, dar merită să anunțe inovația, atunci toată lumea își va purta buzele sceptic. Prin urmare, există o mare diferență dacă un artist lucrează pentru epoci sau pentru piață. Cu toate acestea, există exemple care demonstrează că una nu interferează cu cealaltă.

Rămâne însă faptul că creațiile ingenioase sunt create după munca obișnuită, iar aceasta din urmă nu se distinge deloc prin sublimitate. Cu toate acestea, nu toți creatorii sunt atât de înțelepți, de regulă, posedând o natură complexă și impulsivă, nu au fost de acord cu astfel de compromisuri, care i-au condamnat la o existență săracă.

Oameni săraci și iubitori de dolari

Salvador Dali s-a numit „iubitor de dolari”, subliniindu-și astfel propriile ambiții. El și-a transformat numele într-un brand în timpul vieții și l-a folosit în mod activ. Desigur, fără talentul său, atenția nu i-ar fi fost atrasă, dar ar trebui să aducem un omagiu nivelului de hype cu care s-a înconjurat, ar fi invidia vedetelor moderne. Care este povestea lui cu soția sa Gala. La urma urmei, restul bărbaților ar considera rușinos să dezvăluie astfel de detalii despre viața lor de familie, dar Dali le-a spus de bunăvoie tuturor, inclusiv într-un interviu, că soția sa locuiește cu iubiții într-un castel din apropiere, iar el însuși vine doar la ea prin invitație.

Și această poveste care s-a răspândit? Spuneți, Dali, când a plătit cina într-un restaurant, a făcut un mic desen pe verso. Un cec de restaurant a costat mai mult decât prânzul în sine, deci nu a fost niciodată încasat. Pentru artist, nu a valorat nimic.

În ciuda faptului că nu a lucrat niciodată pentru salarii mici, a primit întotdeauna un număr imens de comenzi. Acest lucru a dus adesea la faptul că și-a doborât propria piață, reducând costul muncii individuale. Cu toate acestea, în loc să-și ia timp, a început să lucreze și mai mult, inundând literalmente piața cu picturi, schițe, ilustrații, proiecte de mobilier.

Când alte vedete nici măcar nu se gândiseră la filmări în publicitate, Dali recomandase deja să cumpere o anumită marcă de ciocolată de pe ecrane. Apoi a apărut o reclamă pentru o marcă de mașini, o companie aeriană și chiar gumă de mestecat. Cu toate acestea, un adevărat scandal la vamă a dezvăluit atitudinea lui Dali față de bani - îl iubea foarte mult.

Un venit tangibil i-a fost adus de grafică, a cărui autenticitate a confirmat-o cu propria sa semnătură. Dar, după cum sa dovedit, el nu avea de gând să deseneze fiecare separat. Au fost tipărite pe o placă de metal, iar foile goale semnate cu un contor au fost pregătite în prealabil. Aceștia, în valoare de 40 de mii de exemplare, au fost găsiți la vamă. Foile erau ieftine, dar Dali le-a semnat foarte repede. În medie, el ar putea înscrie până la 70 de mii de dolari pe oră.

La începutul secolului al XX-lea, comunitatea de artiști era împărțită tacit în cei care lucrau (sau cel puțin căutau) să lucreze la fel de productivi din punct de vedere financiar ca Salvador Dali și cei care onorau exclusiv genii cerșetorilor nerecunoscuți, precum Vincent van Gogh. În timpul vieții sale, pentru o sumă mai mult sau mai puțin decentă de 400 de franci, și-a vândut singura lucrare „Red Vineyards”. Toate celelalte lucrări au fost evaluate după moartea sa. Nu numai că nu a reușit să câștige, nici măcar nu și-a putut asigura o existență decentă.

Familia lui l-a condamnat întotdeauna, societatea nu a înțeles și nu a acceptat și singurul lucru care l-a mângâiat a fost pictarea. A muncit foarte mult, deși acest lucru nu se poate numi muncă, pentru că nu a primit niciodată plata pentru tablouri. Este posibil să accepți faima și eternitatea postumă în memoria descendenților ca plată?

Van Gogh a scris că, dacă ar putea câștiga cel puțin o mie de franci pe an, ar fi început să picteze cu toată mila și cu o plăcere și mai mare, dar acest lucru nu s-a întâmplat și artistul genial a plecat cu resentimente și talent nerecunoscut.

O imagine idealizată a unui artist flămând

Pentru a fi sinceri până la capăt, nu numai artiștii înșiși au avut o mână în idealizarea imaginii geniului nerecunoscut. Franz Kafka în povestea sa „Foamea” descrie un om care avea o atitudine foarte specifică față de artă (totuși, ca și Kafka însuși) și întreaga esență a exprimării sale de sine se afla într-o grevă a foamei. Acum s-ar numi un spectacol, dar se pare că la acea vreme nu erau percepuți cu adevărat, deoarece oamenii se uitau, se uitau la artistul care murea de foame și apoi își ducea trupul cu o grămadă de paie.

Kafka își demonstrează destul de ironic atitudinea față de uniunea „artist-bani”, crezând că un adevărat geniu și creator trebuie să sufere, „să moară de foame” pentru viziunea sa despre artă. Și dacă câștigă bine, este bine hrănit, este prosper și este în armonie cu actualul guvern, atunci este un slujitor al capitaliștilor. Adevăratul geniu este întotdeauna necunoscut în timpul vieții sale și, de preferință, al cerșetorilor.

Knut Hamsun în romanul său „Foamea” a avut și el o mână în crearea aceleiași imagini, descriindu-l pe scriitor cu halucinații din cauza foamei. Hemingway credea, de asemenea, că un scriitor ar trebui să-i fie foame pentru a se gândi mai bine la eternitate, pentru a fi cu un pas deasupra cititorilor săi. Cu toate acestea, scriitorul însuși se relaxa glorios în stațiuni și a trăit fericit pentru totdeauna, deloc căutând un stil de viață ascetic.

Poate că sărăcia într-o oarecare măsură dezlegă mâinile creatorilor de picturi și nu numai. Un artist, nerecunoscut de nimeni, va crea în modul care îi este aproape, fără a încerca să impresioneze criticii, fără a ține cont de dorințele viitorilor cumpărători și multe altele. Are ocazia să experimenteze fără să se uite în urmă la părerea colegilor săi, nu se teme că publicul nu va aproba (ea nu a mai aprobat), se angajează în înțelegerea subiectelor profunde și a valorilor eterne. Nu este aceasta condiția prealabilă pentru crearea unei capodopere?

Alții percep sărăcia ca libertate, pentru că dacă un artist se dăruiește totul picturii, fără să se deranjeze cu munca banală și de rutină de pe piață, atunci are mult mai mult timp pentru experimente și pictură. Pablo Picasso a spus că „inspirația există și vine în timpul muncii”. Adică, nu ar trebui să te întinzi pe canapea în așteptarea sosirii muzei, care va conduce de mână spre pânză și îți va permite să desenezi o capodoperă în valoare de milioane.

Muzicianul rock Nick Cave a spus că inspirația nu există deloc. Apelând la creativitate, el nu a micșorat cel puțin rolul talentului. Dar talentul singur nu este suficient, aveți nevoie de perseverență și muncă. Mult de lucru. Abia atunci se întâmplă lucruri strălucitoare. Prin urmare, recomandarea „de a crea eternitatea după muncă” este mai degrabă o formulare teoretică, practic irealizabilă în realitate.

Suferință și teamă pentru artist

Singurul lucru pe care toată lumea, fără excepție, îl așteaptă de la orice operă de artă - emoții. Bucurie, încântare, groază, dezgust, frică - nu este important, principalul lucru este că energia emană din imagine, altfel, de ce este totul? Poate un artist care a dormit, a luat un mic dejun consistent și gustos, a cărui casă este plină, iubita lui soție este ocupată cu cina, iar copiii (neapărat sănătoși și heterosexuali) umple casa (cu siguranță luminoasă și spațioasă, construită pentru propriile taxe) cu vocile și râsul lor creează dintr-o dată o capodoperă care ar transforma sufletele altor persoane pe dinăuntru? Îndoielnic.

Mulți artiști acumulează în mod deliberat emoții negative: frică, furie, resentimente, ajută la conferirea muncii lor cu nivelul necesar de energie și claritate. Cu toate acestea, aceste probleme nu aveau nimic de-a face cu talentul lor, ci mai degrabă proveneau din statutul lor social și din stilul lor de viață. Același van Gogh a suferit tulburări mentale încă din copilărie și suferința a fost o parte a vieții sale.

Adesea, geniile au tulburări psihice. Acestea din urmă, în ciuda faptului că, de fapt, distrug personalitatea, în cele mai bune perioade, pot deveni cauza și baza pentru crearea de capodopere sau descoperiri științifice. Dar este aceasta o plată suficientă pentru ani de suferință, chin, anxietate și depresie? Schizofrenia, tulburările bipolare, anxietatea, depresia - toate acestea pot și împing o persoană spre expresie prin artă, dar face viața, atât a persoanei în sine, cât și a celor dragi, pur și simplu insuportabilă. De multe ori viața geniilor s-a încheiat cu sinuciderea - o altă dovadă că suferința era insuportabilă.

Artel rus artel

În 1963, până la 14 artiști au părăsit Academia Rusă de Arte. Și în plus, cu un scandal. Nu li s-a oferit posibilitatea de a alege subiectele picturilor care urmau să fie supuse concursului. Atât de mulți artiști, care se cunoșteau și se eliberau brusc de ocupația lor principală, au decis să-și întemeieze propria comunitate. S-au unit într-un artel și au încercat să câștige bani cu ceea ce știau - pictând poze, inclusiv la comandă.

Au dat chiar un fel de reclamă în ziare cu o indicație a listei serviciilor pe care le oferă și a costului acestora. Gama de servicii a fost foarte diversă, artiști și iconostaze, portrete și picturi pictate. Și toate acestea cu vopsele de ulei, acuarele și pasteluri. De asemenea, au fost oferite servicii de îndrumare.

Viața într-un artel i-a costat artistului aproximativ 25 de ruble pe lună, iar căutarea colectivă a comenzilor a fost o idee foarte bună și a adus un profit bun. De exemplu, prețul pentru portrete a început de la 75 de ruble și mai mult. În cea mai mare parte, prețul depindea de experiența și talentul artistului, de numele său și nu de dimensiunea pânzei.

Mulți artiști, ale căror pânze aparțin capodoperelor lumii și sunt acum evaluate la o avere, au fost de fapt creați de maeștrii care creează artă de dragul artei. Conștiința lor, care nu se încadrează în cadrul normalității și, prin urmare, nerecunoașterea talentului lor în timpul vieții, pentru mulți a devenit motivul pentru care numele lor au fost imortalizate în analele istoriei. Descendenții, ca și când s-ar simți vinovați în fața geniului, își cultivă talentul, văd scânteia lui Dumnezeu în creațiile sale, iar povestea tragică a sărăciei și a lipsurilor sale nu face decât să completeze imaginea de ansamblu.

Adesea, geniile, pe lângă un caracter complex și ciudățenii, posedau și abateri mentale. Unele genii ale URSS, care și-au lăsat amprenta în știință și artă, sunt mai susceptibile de a dat acest lucru schizofreniei lor, care permite gândirea în afara cadrului..