7 capodopere ale Schitului care merită văzute în 2020

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Modificat ultima dată: 2023-12-16 00:16

Oamenii de știință au dovedit de multă vreme că arta are un efect benefic asupra sănătății umane prin reducerea nivelului de anxietate și stres din organism. Acest lucru este valabil mai ales pentru artele plastice și contemplarea frumosului. Prin urmare, pentru ca 2020 să fie umplut cu o stare favorabilă a corpului și a spiritului, merită să vizitați Schitul și să vedeți cele mai faimoase expoziții ale muzeului.

„Apostolii Petru și Pavel” de El Greco

El Greco este unul dintre cei mai străluciți și mai originali artiști. Grec de origine, a studiat pictura în Italia în atelierul marelui Titian. A învățat tehnica uleiului de la idolul său și a fost, de asemenea, inspirat din tehnicile artistice ale manierismului italian. El Greco s-a remarcat printre colegii săi pentru originalitatea stilului dramatic expresiv. În portretele sale, el a acordat o mare atenție caracterizării psihologice. În acest tablou de la Schitul, artistul reprezintă două tipuri diferite de oameni. În stânga este apostolul Petru, care a negat existența lui Hristos de trei ori. Chipul său transmite tristețe și incertitudine, în timp ce gesturile sale sunt colorate de pocăință și rugăminte. Apostolul Pavel, care, după cum știți, a fost inițial un persecutor zelos al creștinilor, în imagine arată fervoare spirituală în afirmarea adevărului. Gesturile mâinii care formează centrul compozițional al operei exprimă un dialog care îi unește pe cei doi apostoli.

Peter cu părul cenușiu, înfășurat într-o halat de aur, își înclină capul în lateral. În mâna stângă își ține simbolul - cheia Împărăției Cerurilor. Pavel își apasă ferm mâna stângă spre volumul deschis de pe masă, mâna dreaptă se ridică într-un gest de clarificare când privește direct privitorul. Sfântul Petru și Sfântul Pavel apar de mai multe ori în lucrarea lui El Greco și sunt descriși cu o consistență izbitoare. Artistul arată întotdeauna Petra cu părul și barba cenușii și poartă deseori o halat galben peste o tunică albastră. Paul este întotdeauna ușor chel, cu părul întunecat și barbă, într-un halat roșu peste haine albastre sau verzi.

„Penitenta Maria Magdalena” de Titian

Penitenta Maria Magdalena este un portret al Sfintei Maria Magdalena Tizian din anul 1531, cu semnătura „TITIANUS” pe vasul din stânga. Conform complotului, aceasta este o femeie cu un trecut dizolvat, care, conform Evangheliei (Luca 7, 36-50), a venit la casa lui Simon Fariseul pentru a cere iertare lui Isus. Este o figură feminină portretizată de Titian cu accese groase, concentrate și tonuri calde. Paleta evidențiază ochi incredibili înmuiați în lacrimi de cristal. Părul blond de cupru care acoperă figura este uimitor de scris. Tema Marii Magdalene pocăită, ridicând ochii spre cer, a câștigat o mare popularitate în Italia în secolul al XVI-lea în rândul aristocraților, liderilor religioși și clasei mijlocii înstărite. Lipsa hainelor simbolizează refuzul Magdalenei de la bijuterii, aur și hobby-uri lumești de dragul credinței în Hristos. În plus, părul auriu și figura generală a Magdalenei îndeplinesc standardele frumuseții renascentiste.

„Madonna Litta” de Leonardo da Vinci

Pictura și-a luat numele de la familia nobiliară milaneză, în a cărei colecție a fost găsită în cea mai mare parte a secolului al XIX-lea. În 1865, țarul rus Alexandru al II-lea a cumpărat pânza pentru Schit, unde este afișată până în prezent. Această lucrare descrie Madona care alăptează pe Copilul Hristos. Rețineți absența fantomelor în această imagine. O serie de pânze ale lui Leonardo demonstrează aceeași caracteristică. Cifrele sunt amplasate într-un interior întunecat cu două deschideri arcuite care arată o vedere a peisajului montan. Un detaliu interesant: în centrul imaginii, în mâna stângă a lui Hristos, se află un căldărel, care este un simbol al pasiunii lui Hristos.

Sentimentul bucuriei maternității în pictura „Madonna Litta” este descris în mod deosebit încântător datorită bogăției chiar a imaginii Mariei - aici și-a găsit expresia matură a frumuseții feminine a lui Leonardo. Chipul blând și frumos al Madonnei conferă o spiritualitate specială ochilor pe jumătate închiși și un zâmbet ușor. Compoziția picturii este izbitoare prin claritatea și perfecțiunea ei izbitoare. Madonna și Pruncul a fost un motiv obișnuit în arta creștină în Evul Mediu și a continuat până la Renaștere.

„Lăutist” Caravaggio

Pictura a fost comandată de cardinalul Francesco del Monte, care a patronat-o pe artistă. Caravaggio l-a portretizat pe un tânăr fascinat de muzică: privirea lui este plină de inspirație, degetele se agață de corzi. Figura unui tânăr într-o cămașă albă iese în evidență clar pe un fundal întunecat. Iluminarea laterală severă și umbrele care cad, conferă obiectelor un volum și o greutate aproape perceptibile. Obiectele plasate în imagine mărturisesc marea dragoste a artistului pentru lumea din jur, dorința sa de a reproduce cu adevărat natura, de a transmite calitatea materială a fiecărui detaliu. Pe caietul întins în fața eroului cu o lăută, sunt scrise notele de deschidere ale madrigalului popular în secolul al XVI-lea „Știi că te iubesc”.

Iubirea ca temă a acestei lucrări este indicată și de alte obiecte. De exemplu, lăuda crăpată a fost o metaforă a iubirii care eșuează. În zorii creativității, Caravaggio le oferea adesea tinerilor trăsături feminine, care, totuși, erau tipice artei italiene de la sfârșitul secolului al XVI-lea. Este interesant faptul că muzicianul din tabloul de la Schitul a fost adesea confundat cu o fată, iar compoziția a fost numită „Lăutarul”.

„Doamna în albastru” Thomas Gainsborough

Una dintre cele mai bune lucrări ale artistului - „Doamna în albastru” - a fost creată de Gainsborough în vârful puterilor sale creatoare. Figura unei tinere într-o rochie deschisă din țesătură albă transparentă iese ușor în evidență pe un fundal întunecat. Părul ei pudră este îmbrăcat într-o coafură ciudată. Buclele mari cad peste umerii înclinați. Prospețimea feței tinere este accentuată de buzele întredeschise și de ochii întunecați în formă de migdale. Cu o mișcare ușoară a mâinii drepte, ține eșarfa albastră de mătase. Tonurile cenușii, albăstrui, roz și albe, ici și colo, sunt îmbunătățite cu accidente strălucitoare și ajută la transmiterea eleganței și frumuseții modelului.

Indrazneala tehnicilor picturale ale lui Gainsborough i-au uimit pe contemporani. Deci, Reynolds a remarcat „pete și trăsături ciudate” în picturile din Gainsborough, „care par mai probabil rezultatul întâmplării decât o intenție conștientă”. Această tradiție non-academică este una dintre cele mai mari realizări ale lui Gainsborough. „Doamna în albastru” a intrat în Schit în 1916 din colecția lui A. 3. Khitrovo prin testament.

Întoarcerea fiului risipitor de Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Această capodoperă a artei biblice confirmă din nou statutul lui Rembrandt ca unul dintre cei mai buni pictori din toate timpurile și cel mai mare dintre toți vechii maeștri în descrierea scenelor biblice. Pictura Întoarcerea fiului risipitor, completată de artist în ultimii ani ai vieții sale, descrie o scenă din parabola din Luca 15: 11–32. Potrivit remarcabilului critic de artă Kenneth Clarke, pânza este una dintre cele mai mari picturi din toate timpurile. Conform complotului, tatăl, la fel ca patriarhul, pune mâinile pe umerii unui penitent ras și îmbrăcat în haine uzate. Ochii lui sunt aproape închiși. Actul iertării devine binecuvântarea unui sacrament aproape sacramental.

Aceasta este o imagine cu cea mai mare spiritualitate, liberă de toate aspectele anecdotice, în care toate mișcările și acțiunile s-au oprit. Scena se aruncă în întuneric, ca un tunel, din care strălucesc palele fețele tatălui și ale fiului său cel mare. Robele lor roșii conferă întunericului o strălucire. Rembrandt a pictat în repetate rânduri pe tema fiului risipitor, dar în această monumentală versiune în ulei a ajuns la cel mai incitant și - datorită contrastului dintre fiul cel mare și cel mai mic (risipitor) - cea mai dificilă formulare din punct de vedere psihologic.

„Dans” de Henri Matisse

„Dansul” este una dintre cele mai faimoase opere ale lui Henri Matisse - o odață la viață, bucurie, respingere fizică și un simbol al artei contemporane. Piesa a fost comandată de influentul colecționar rus Serghei Șchukin în 1909 pentru decorarea conacului său. Caracterizată prin simplitate și energie, această orgie artistică a lăsat o amprentă de neșters în arta secolului XX. Dansul a fost scris la apogeul esteticului fauvist și întruchipează emanciparea tradițiilor artistice tradiționale occidentale. Alegerea estetică a lui Henri Matisse pentru acest tablou a provocat un adevărat scandal în saloanele de artă în 1910. Nuditatea îndrăzneață și nuanțele aspre au conferit imaginii un caracter extraordinar pentru acea vreme, care în ochii unor telespectatori părea barbara.

Matisse a folosit doar trei culori pentru a descrie acest dans: albastru, verde și roșu. În conformitate cu asociațiile tradiționale de culori fauviste, aceste trei nuanțe creează un contrast intens. Cu toate acestea, scopul lui Matisse nu era să șocheze publicul. Dimpotrivă, el a căutat să unească oamenii între ei și cu natura. După cum a spus artistul, „ceea ce visez este o artă echilibrată, curată și calmă, care poate evita necazurile sau dezamăgirile”.