Cum a cucerit Amazonul avangardei rusești Parisul și nu numai: Natalia Goncharova

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Modificat ultima dată: 2023-12-16 00:16

Natalia Goncharova este un artist, designer și scriitor rus remarcabil. A devenit celebră în toată lumea datorită lucrărilor sale strălucitoare, suculente și extraordinare, care combină mai multe stiluri: de la fauvism și cubism la futurism și Art Nouveau. Era cunoscută și pentru costumele și decorurile sale pentru balet și teatru, care erau izbitoare prin versatilitatea și designul lor neobișnuit pentru acele vremuri.

În primele două decenii ale secolului al XX-lea, arta rusă a absorbit noi stiluri și filozofie ale artei vest-europene și s-a mutat în avangarda culturii. Goncharova și soțul ei Mihail Larionov, cu munca și eforturile lor de a organiza expoziții și echipe creative, s-au aflat în centrul acestei revoluții artistice, care a precedat și a însoțit revoltele politice din țară.

Natalia s-a născut la Nagaevo, în Rusia Centrală. Familia Goncharov și-a pierdut averea pe baza producției de in până la sfârșitul secolului al XVIII-lea. Celebrul poet Pușkin s-a căsătorit cu unul dintre strămoșii săi, Natalia Goncharova, după care a fost numită. Tatăl ei era arhitect. Familia mamei Nataliei, familia Belyaev, a dat naștere mai multor preoți și au fost cunoscuți drept patroni ai muzicii.

În primii ani, Natalya a participat la o sală de gimnastică la Moscova. Și la o vârstă mai conștientă, după ce a decis să devină artistă, a intrat la Școala de pictură, sculptură și arhitectură (Moscova), unde a studiat sculptura cu Pavel Trubetskoy, care a lucrat în stilul lui Auguste Rodin. A părăsit facultatea trei ani mai târziu, în ciuda faptului că a câștigat o medalie de argint și nu a finalizat o perioadă de studiu de zece ani pentru curriculum. Acest lucru a coincis cu acceptarea picturii ca mijloc de expresie preferat.

1. Carieră și soț

Până în 1900, Goncharova și-a întâlnit viitorul soț, Mihail Larionov. A mers și la facultate, dar la departamentul de pictură. Decizia ei de a începe pictura a fost susținută de Mihail, pasiunea ei pentru jocul de lumină și armonia culorilor în viitor a devenit semnul distinctiv al artistei.

La fel ca mulți artiști ruși din timpul ei, primii câțiva ani ai secolului al XX-lea au fost o perioadă de cunoaștere și acceptare a stilurilor care s-au dezvoltat în capitalele Europei de Vest. La acea vreme, a fost atrasă de impresionism și divisionism, stiluri asociate respectiv cu Monet și Seurat. Ambele stiluri nu puneau accentul pe imaginea obiectelor solide, ci pe captarea luminii (culorii) care se reflecta de la obiect la ochi. Ca urmare, desenul era de obicei liber, iar accentul era pus pe culoare, precum și pe vopsele. Acest lucru a dus la o conștientizare a vopselei, a loviturilor de perie, a texturii și a picturii pe pânză. Aceste două stiluri au fost esențiale pentru a elibera arta de un caracter pur reprezentativ. Artiștii au început să-și dea seama că arta este o expresie estetică, inspirată de apariția lumii fizice, dar nu dependentă de aceasta.

Odată marele impresar de balet rus Diaghilev a organizat includerea colecției de picturi de Goncharova și Larionov în secțiunea rusă a Salonului de toamnă din Paris. Includerea lor în această expoziție anuală recent creată de artă radicală nouă (în același an 1906, primul grup de Fauves a fost prezentat acolo) mărturisește faptul că ambii artiști au fost considerați modele ale tendințelor de avangardă ale țării lor. În următorii nouă ani, înainte de emigrația sa din Rusia, Natalia a participat la o serie de expoziții importante, dintre care multe au organizat-o împreună cu Mihail. În această perioadă, a fost prezentată și la expoziția postimpresionistă din 1912 organizată de Roger Fry la Grafton Gallery din Londra, precum și la expoziții personale din Moscova și Sankt Petersburg și la o expoziție la Paul Guillaume Gallery din Paris cu catalogul celebrului critic Apollinaire.

2. Stilul districtismului

Jumătate de secol care a precedat începerea războiului a fost o perioadă de dezvoltare rapidă a artelor plastice din Rusia. Natalia a fost în fruntea acestei mișcări.

În mod surprinzător, în direcția ei s-au manifestat simultan trei direcții diferite: regionalism, neo-primitivism și cubo-futurism.

Primul dintre ele este stilul original conceput de Mihail și cercetat pe larg de Natalia.

Districtismul era la acea vreme unul dintre stilurile complet abstracte din arta occidentală. La fel ca impresionismul, regionalismul se concentrează pe razele de lumină reflectate de obiecte. Spațiul din imaginea unui radiant nu este măsurabil, ci este o atmosferă încărcată cu energia unui număr infinit de raze de lumină, fie direct de la soare, fie, mai probabil, raze care se reflectă înainte și înapoi de la obiectele fizice din jurul său. Principiul de îndrumare este pur estetic prin faptul că culorile sunt alese pentru armonie sau efect vizual.

De mai bine de trei decenii, artiștii au fost fascinați de ideea de a crea artă non-figurativă bazată pe orchestrarea culorii. Dacă muzica este complet abstractă și, în același timp, infinit de expresivă, atunci nu poate exista o artă care să folosească culoarea (în loc de sunet) care să fie la fel de abstractă și expresivă.

În locul formelor fragmentate, interconectate, găsite în cubism, seria Cats se bazează pe linii de culoare lungi și tăiate. Districtismul a fost un stil de scurtă durată care a ajuns la sfârșitul său până în 1914. Franz Marc, asociat cu München Blaue Reiter (cu care Natalia expusese cu doi ani mai devreme), și-a admirat opera și a scris într-un mod inspirat de districtism, probabil datorită influenței sale.

3. Stilul primitivismului

Neîngrădită și neliniștită, căutând o nouă inspirație, s-a bazat, de asemenea, mult pe pictorii cubisti timpurii, cum ar fi Pablo Picasso, de ceva timp. Această etapă a operei sale a durat câțiva ani și a acoperit pictura ei, inspirată de tradiția rusă.

Dar ilustrațiile sale pentru mai multe cărți de poezie ale lui Velimir Khlebnikov și Alexei Kruchenykh și-au arătat devotamentul față de formele antice de artă rusă, cum ar fi icoane, fresce religioase și xilografii. În 1913, ea a declarat dramatic că se îndepărta de Occident, oferindu-i simpatie către Est.

La una dintre expozițiile sale timpurii, au fost prezentate picturi primitiviste și cubiste, iar la o expoziție ulterioară, organizată de soțul ei, au fost expuse peste cincizeci de lucrări ale Nataliei. Ea s-a inspirat pentru primitivism din icoanele și arta populară rusești, cunoscute și sub numele de tipărituri populare. A doua expoziție ulterioară a fost concepută ca o rupere deliberată cu influența artistică europeană și crearea unei școli de artă contemporană rusă independentă. Evenimentul s-a dovedit a fi controversat, iar cenzorul a confiscat lucrarea religioasă-tematică a Nataliei „Evangheliștii”, considerând blasfem să o afișeze la o expoziție numită „Coada măgarului”. Natalia și Mihail au fost mult timp persecutați pentru lucrările lor și pentru modul în care s-au exprimat. Dar chiar și în lucrările ulterioare ale Nataliei, influența futurismului rus este vizibilă. Fascinată inițial de pictura cu icoane și de primitivismul artei populare etnice rusești, Natalia a câștigat faima în Rusia pentru opera sa futuristă (dintre care unul a fost un tablou numit Ciclistul).

Natalia și Mihail, pictându-și fețele cu hieroglife și flori, au mers pe străzi ca parte a unei mișcări artistice primitiviste. Natalia însăși nu se temea din când în când să apară în public pe jumătate goală cu simboluri pe piept. În calitate de lideri ai futuristilor de la Moscova, au găzduit nopți de conferințe provocatoare în același sens ca și omologii lor italieni. În plus, Natalia a scris și ilustrat mai multe cărți de avangardă.

Natalia a fost membră a grupului de avangardă Blue Rider încă din prima zi a înființării sale (1911). Patru ani mai târziu, a început dezvoltarea costumelor și decorurilor de balet la Geneva. Și în curând a început să lucreze la o serie de schițe pentru baletul lui Diaghilev, dar, din păcate, baletul nu a fost niciodată realizat.

Câțiva ani mai târziu s-a mutat la Paris, unde a creat mai multe decoruri pentru baletele rusești ale lui Diaghilev. De asemenea, a expus la Salon d'Automne și a participat în mod regulat la Salon des Tuileries și la Salonul Independenților.

Natalia și Mihail au colaborat la patru evenimente caritabile la Moscova. Amândoi au dezvoltat majoritatea materialelor promoționale pentru eveniment.

4. Stilul neo-primitivismului

În paralel cu raionismul, Natalia a scris într-un stil care acum se numește neo-primitivism. A fost un fenomen care a avut loc anterior în Franța și în alte părți și pare a fi legat de o schimbare a aspirațiilor politice, sociale și culturale. Combinat cu democratizarea gândirii politice și sociale, a existat adesea tendința de a încerca să descopere caracterul mai profund al culturilor naționale, apelând la arta populară tradițională sau țărănească pentru inspirație. Datorită mediului ecleziastic al familiei sale și faptului că și-a petrecut tinerețea trăind într-o moșie de țară, Natalia va fi atrasă de arta tradițională religioasă și populară ca parte a experienței sale formative și ca arte vizuale ale compatrioților săi. Aceasta a fost perioada în care inteligența a început să privească icoanele (imaginile liturgice rusești) ca pe un important patrimoniu cultural național. Marea expoziție de icoane Romanov a entuziasmat mulți oameni sensibili din punct de vedere estetic.

Natalia scrie de mai mulți ani pe teme religioase, simțind că semnificația și semnificația intens religioasă a icoanelor este unul dintre cele mai importante obiective pentru o artistă de surprins în opera sa. Culorile bogate, efectele decorative orbitoare și natura extrem de formalizată și stilizată a icoanelor au inspirat-o deja să lucreze.

Acest lucru a determinat-o să recurgă la un mod care nu are legătură cu practica academică. Pe lângă sublinierea calităților plate, decorative, uneori vopseaua părea să fie stropită pe suprafață sau a fost aplicată rapid pentru un efect spontan. Farmecul și naivitatea, care anterior erau cântate în pictura lui Henri Rousseau, au apărut în opera artistei ruse și, ceea ce este foarte important pentru ea, au fost împrumutate din surse locale.

5. Stilul cubo-futurismului

Între 1913 și 1914, cubo-futurismul, aspecte ale stilurilor moderne de atunci ale cubismului și futurismului, au apărut în pictura Nataliei. Cubismul era cunoscut de artiștii ruși prin publicații, expoziții și colecții precum colecțiile Morozov și Shchukin. Cubismul era ambivalent față de culoare în favoarea unui nou sentiment de structură-fragmentare și coeziune a formei, rezultând o compoziție uniformă animată în care relația figură / teren este eliminată.

Futurismul italian a avut, de asemenea, urmări în Rusia în anii imediat anteriori primului război mondial.

Futurismul ei, ca și al italienilor, era plin de culori. Senzațiile de mișcare au fost cauzate de repetări ritmice de figuri sau linii. Includerea cuvintelor colorate sau a fragmentelor de cuvinte ca și cum ar proveni din semne și din o parte a mediului prin care a trecut persoana, a contribuit și mai mult la această percepție. Undele sonore erau implicate și de efecte ritmice și, uneori, de utilizarea notației muzicale.

6. Ultimii ani de viață

Natalia și-a petrecut restul vieții la Paris, recunoscută ca fiind un membru important al comunității artistice a orașului. A continuat să picteze, dar cea mai notabilă lucrare a sa a fost în domeniul scenografiei. În această zonă, atât ea, cât și Michael au devenit vedete mondiale. Natalia și-a identificat din ce în ce mai mult munca cu Franța. În 1936, ea și Mikhail au participat la un important concurs internațional de artă teatrală desfășurat la Milano. Au preferat să-și expună lucrările în secțiunea franceză decât în secțiunea sovietică, iar când au câștigat medalia de argint, Franța a fost cea care a mers la ei.

După invazia Franței de către Adolf Hitler în primăvara anului 1940, Natalia și Mihail s-au trezit sub ocupație germană. În anii grei care au urmat, amândoi au reușit să-și continue cariera în teatru. Apoi, o expoziție a picturilor lor părtinitoare la Paris a reamintit publicului rolul lor proeminent în dezvoltarea artei contemporane de la începutul secolului. După cum au susținut unii, cei doi artiști au depășit în mod deliberat o parte din munca lor, uneori cu mai mult de un deceniu, pentru a-și consolida reputația de artiști pionieri.

Mihail a suferit un accident vascular cerebral, iar situația financiară a soților, care nu fusese niciodată deosebit de confortabilă, a devenit și mai precară. Au supraviețuit parțial prin vânzarea picturilor lor timpurii. Natalia a suferit, de asemenea, numeroase afecțiuni fizice, inclusiv o formă severă de artrită, care a făcut imposibilă tragerea pe un șevalet. Continuând să-și demonstreze devotamentul față de lucrare, a așezat pânza în fața ei într-o poziție nivelată pentru a continua să manipuleze pensula.

Natalia a făcut ultima sa încercare de design teatral în 57. A constat din costume și decoruri pentru o serie de balete în Monte Carlo. Un an mai târziu, a ținut expoziția finală a picturii sale la Paris, prezentând aproximativ douăzeci de pânze inspirate de lansarea rusă a satelitului spațial Sputnik.

Cuplul era încă afectat de probleme financiare. Doar vânzarea unei părți semnificative a bibliotecii și a lucrărilor soților către Victoria and Albert Museum din Londra au contribuit la menținerea solvabilității lor.

Natalia a murit de cancer la Paris. Pe piatra de mormânt a scris pur și simplu că este artistă și pictor. Moartea lui Mihail a venit la scurt timp după aceea. A fost înmormântat lângă ea cu aceeași inscripție pe piatra sa funerară.

Continuarea temei picturii - șase lideri mondiali care au devenit celebri nu numai în politicăprecum și în art.