Care este secretul peisajelor unor artiști celebri care încarcă privitorul cu „energie sublimă”

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Modificat ultima dată: 2023-12-16 00:16

Picturile de peisaj sublime sunt unul dintre cele mai durabile și iconice subiecte din istoria artei: de la turlele visătoare ale Renașterii până la romantismul fierbinte al secolului al XIX-lea și experimentele modernității, toate acestea evocă o rafală de emoții, făcându-te să suspini cu încântare, dizolvându-se în atmosfera creată de artist.

Termenul „sublim” a fost definit de filosoful Edmund Burke în studiul său din 1757 despre originile ideilor noastre despre sublim și frumos. Burke a numit, de asemenea, sublimul nu mai puțin decât cea mai puternică emoție pe care o poate experimenta mintea - nu este surprinzător faptul că artiștii au căutat să adopte acest stil pentru a transmite frumusețea momentului capturat.

1. Pieter Bruegel cel Bătrân

Pictura lui Pieter Bruegel cel Bătrân „Zborul în Egipt”, 1563, înfățișează pictura de peisaj sublim a Renașterii nordice, combinând peisaje uluitoare cu narațiunea religioasă. Figurine minuscule ale lui Maria și Iosif merg de-a lungul unei stânci periculoase în prim-plan, fugind de persecuțiile din Betleem. Peisajul este strâns legat de istoria lor, învăluit în întuneric și pericolul necunoscutului. Bruegel a căutat să contrasteze zonele de imobilitate și mișcare din această imagine unificată, pictând pietre și munți ca o constantă constantă și imobilă în comparație cu mișcarea care curge constant de apă, oameni și păsări. Acest echilibru de contrarii între întuneric / lumină, fragilitate / permanență și liniște / mișcare a jucat un rol major în artă, unde pictura de peisaj sublim a devenit una dintre cele mai durabile imagini din toate timpurile.

2. Philip Jacob Lutherburg

Artistul britanic născut în Franța, Philip Jacob Lutherburg, a pictat Avalanche în Alpi în 1803, într-o perioadă în care pitorescul, dar periculosul Alp francez era un simbol din ce în ce mai popular al peisajului sublim. Pe lângă pictură, Philip era pasionat de teatru și luminat de lună ca decorator de teatru, al cărui rol i-a permis să pună dramă uimitoare în pânzele sale, prin iluminare puternică, adâncime și mișcare.

În pictura sa alpină, munții francezi îndepărtați încep să se prăbușească într-o avalanșă, „aruncând” nori îngrozitor de uriași de pulbere și fum care se scurg pe scenă și întunecă cerul deasupra capului. Un fulger de lumină albă în centru atrage atenția asupra figurilor minuscule și înspăimântate ale unor oameni care au înghețat literalmente în fața pietrelor care cad în jur. Intriga acestei imagini este atât frumoasă, cât și teribilă, atât de mult încât privitorul stă nemișcat câteva minute, urmărind cu atenție și fascinat ceea ce se întâmplă.

3. Joseph Mallord William Turner

Blizzard: Hannibal and His Army Crossing the Alpi, 1812, înfățișează frumusețea agonizantă a erei romantice cu înnorări monstruoase, curbate, care plutesc deasupra micilor oameni de dedesubt. Dedicat lui Hannibal Barca, comandantul armatei cartagineze în anii 200-100 î. Hr., tabloul îi înfățișează pe soldații lui Hannibal care încercau să traverseze Alpii în 218 î. Hr., triburile salatiene luptându-se împotriva spatei lui Hannibal.

Aici furtuna devine o metaforă puternică pentru lupta care pune viața în pericol, pe măsură ce norii negri și grei formează un vârtej înfiorător, care se învârte, care respinge soldații mici și neajutorați. În depărtare, soarele este o minge strălucitoare de lumină vrăjitoare, o licărire de speranță în mijlocul tragediei războiului. Dar, în afară de referințele narative, acest sublim peisaj al lui Turner este în cele din urmă o reflectare a cruzimii pure și distructive a naturii care amenință să-i înghită pe cei de dedesubt.

4. Caspar David Friedrich

Una dintre cele mai iconice și sublime picturi de peisaj din toate timpurile, artistul german Caspar David Friedrich The Wanderer Above the Sea of Fog, 1817, întruchipează spiritul visător, idealist al romantismului european. Stând singură pe o stâncă înaltă și întunecată, figura masculină își contemplă locul în univers în timp ce ceața se învârte peste văi și munți îndepărtați. Frederick redă aici peisajul sublim ca o localitate inospitalieră și de neînțeles, reflectând farmecul secolului al XIX-lea al naturii sălbatice, neînfrânate.

Spre deosebire de alți artiști ai epocii, care au căutat să creeze figuri mici pentru a sublinia măreția peisajului, Friedrich îi conferă figurii sale un rol central, lăsându-l complet anonim, permițând astfel privitorului să se scufunde cât mai mult posibil în misteriosul peisaj cețos..

5. Karl Eduard Biermann

Muntele Wetterhorn de Karl Eduard Biermann, 1830, întruchipează stilul de peisaj sublim al artistului german, cu un teren vast, accidentat, înconjurat de iluminat dramatic de teatru. Primul plan stâncos este pictat cu atenție în tonuri bogate, întunecate de verde și maro, ducând privitorul către o fâșie de copaci și roci care dispar în umbra neagră. În fundal, lanțul muntos epic este iluminat de o rază de soare, accentuându-i turlele înghețate ca un loc mistic și de neatins, în timp ce norii se roagă deasupra capului, ca și cum ar amenința să izbucnească într-o furtună.

La fel ca mulți pictori romantici, Birman subliniază uimirea, surpriza și scara terifiantă a scenei prin plasarea a două figuri minuscule în prim-plan care permit privitorului să se imagineze în locul personajelor principale, încercând să urce pe pietre neuniforme și iarbă mlăștinoasă, în timp ce ca o cascadă care le străbate în reflexiile luminii.

6. Arnold Böcklin

Una dintre cele mai izbitoare picturi de peisaj create vreodată, Insula morților de către artistul german Arnold Böcklin, 1880, descrie o insulă imaginară care se ridică din mare pe un cer întunecat. Pictura a fost comandată de o văduvă care a cerut tabloul „să viseze”. Ca răspuns la solicitarea ei, artistul și-a înzestrat lucrarea cu indicii de moarte și doliu. În prim-plan, o figură albă fantomatică se îndreaptă spre insulă într-o mică barcă cu vâsle lângă un obiect care seamănă cu un sicriu.

Vâslașul este comparat cu personajul grecesc antic Charon barcagiul, care a transportat sufletele morților peste râul Styx către Hades. Șiruri de chiparoși amenințător întunecați, asociați în mod tradițional cu cimitirele, se întind de-a lungul insulei și roci luminoase zimțate în spatele lor clipesc cu uși și ferestre grave. Spre deosebire de multe peisaje sublime, o liniște stranie pătrunde în scenă, oferindu-i acea atmosferă profundă și misterioasă. Böcklin însuși a descris chiar lucrarea ca fiind „atât de liniștită încât o persoană s-ar speria dacă ar auzi o bătaie la ușă”.

7. Edvard Munch

Edvard Munch a creat Noaptea albă în 1901 în cariera sa ulterioară, într-un moment în care a abandonat figurarea în favoarea peisajelor atmosferice, dar a rămas aceeași anxietate omniprezentă a artei sale timpurii. Această sublimă pictură peisagistică îl înfățișează pe Norvegia sa natală în mijlocul iernii, privind în jos printre copaci amenințător întunecați la un fiord înghețat. Pădurea de molizi formează o margine zimțată, ascuțită ca o lamă de ferăstrău, un avertisment de gheață periculoasă în spatele ei.

Copacii negri din prim-plan seamănă cu fețe sau creaturi fantomatice, dar sunt abia vizibili sub acoperirea nopții. Combinând lumina lunii strălucitoare cu aceste calități de pericol și amenințare, scena de iarnă nocturnă a lui Munch surprinde frumusețea sublimă a iernii norvegiene. Reflectând asupra modului în care scenele sale peisagistice ar putea combina observația cu o minte interioară, Edward a scris:

8. Axeli Gallen-Kallela

Lacul Keitele de Akseli Gallen-Kallela, 1904, face faimosul lac finlandez ca o oglindă luminoasă fascinantă tăiată de curenții de vânt în zigzag. Pictura a fost pictată într-o perioadă în care exista o dorință tot mai mare de independență în toată Finlanda. Sărbătorind marea viață sălbatică nealterată a țării, această pictură de peisaj sublimă a devenit un simbol puternic al naționalismului și mândriei finlandeze. Deși nu există semne ale vieții umane aici, fluxurile naturale de trafic vizibile prin apă erau o trăsătură bine cunoscută a lacului.

Aceste benzi erau atât de bine cunoscute din punct de vedere istoric încât, în cultura antică finlandeză, erau asociate cu personajul mitologic Väinämöinen, despre care se spunea că va lăsa undele în timp ce călătorea pe lac. Aceste reprezentări subtile ale mișcării au purtat un mare simbolism naționalist pentru Gallen-Kallela, celebrând frumusețea misterioasă și enigmatică a culturii antice finlandeze și legăturile sale strânse cu țara. El le-a descris astfel:

9. Thomas Moran

Pictorul american Moran, unul dintre liderii școlilor Hudson și din Munții Stâncoși, a fost atât de fascinat de periculosul teritoriu nealterat din Colorado, încât s-a cufundat profund în mediul rural și atmosfera înconjurătoare, unde înaintea lui puțini au îndrăznit să picteze mai mult de treizeci scene care descriu acest peisaj unic, sublim.

Marele Canion din Colorado surprinde o viziune idealizată și romantizată a Marelui Canion, cu pietre ascuțite care cad și dispar în lumină înainte de a dispărea în orizontul îndepărtat, pe măsură ce o furtună iminentă adună ritmul deasupra capului. Spectatorii au fost atât de uimiți de descrierile lui Moran despre marea sălbăticie americană, încât astăzi i se atribuie influența creării unui sistem de parcuri naționale care a păstrat integritatea peisajului maiestuos al Americii.

10. Peter Doig

Jacheta de schi a artistului scoțian Peter Doig din 1994 este o ploaie de energie și mișcare înzăpezită. Bazat pe o imagine fotografică a studenților schiori împrăștiați pe un munte japonez, Doig distorsionează și degradează în mod deliberat imaginea originală, împărțind-o în două în mijloc și alăturându-le din nou împreună pentru a crea un misterios efect de oglindă Rorschach.

Doig este bine cunoscut pentru amestecarea materialului fotografic cu semnele picturale, permițând două stiluri conflictuale să se joace între ele, așa cum se vede în această imagine, unde copacii pictați cu atenție sunt înconjurați de dungi ușor stratificate de roz, alb și verde. Aceste tranziții apoase ale vopselei sugerează proprietățile reci și alunecoase ale gheții și zăpezii care pătrund în imagine și îi conferă o ambiguitate periculoasă, sporind teama de mici schiori care se confruntă cu terenul abrupt perfid din jurul lor.

Continuând subiectul, citiți și despre opere ale căror artiști spanioli sunt cei mai apreciați în întreaga lume și acesta a fost motivul principal.