Cum au cucerit lumea 7 mari pictori expresionisti, ale căror opere sunt apreciate peste tot în lume: Munch, Kandinsky etc

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Modificat ultima dată: 2023-12-16 00:16

Lucrarea artiștilor expresionisti este un mister atât de greu de rezolvat, iar imaginile pe care le creează sunt atât de polifacetice și contradictorii încât, uitându-se la ele, există un loc în care imaginația poate călători. Accentul pus pe culori, linii întrerupte și linii rupte este doar o mică parte din ceea ce, încă din primele secunde, atrage atenția privitorului, atrăgându-l în lumea excentrică a artei, unde totul nu este atât de simplu pe cât pare la prima vedere, deoarece fiecare pictură are propria poveste și fiecare artist are propriul său stil de neegalat și recunoscut, care a devenit o carte de vizită de secole …

1. Edvard Munch

Edvard Munch, care nu a fost niciodată căsătorit, și-a numit picturile copiii săi și a urât să fie separat de ei. Locuind singur în moșia sa de lângă Oslo în ultimii douăzeci și șapte de ani de viață, tot mai venerat și din ce în ce mai izolat, s-a înconjurat de o lucrare care datează de la începutul lunii sale cariere. După moartea sa în 1944, la vârsta de optzeci de ani, autoritățile au găsit în spatele ușilor încuiate la etajul al doilea al casei sale o colecție de peste o mie de tablouri, patru mii și jumătate de desene și aproape cincisprezece și jumătate de mii de amprente, ca precum și gravuri pe lemn, gravuri, litografii, pietre litografice, gravuri pe lemn, plăci de cupru și fotografii. Cu toate acestea, în ironia finală a vieții sale dificile, Munch este cunoscut astăzi drept creatorul unei imagini care i-a umbrit realizarea generală ca pionier și influent artist și tipograf.

Țipătul său este o icoană a artei moderne, o pictură care înfățișează o creatură asexuată, noduroasă, cu fața fetală, gura larg deschisă și ochii larg deschiși într-un țipăt de groază, a recreat o viziune care l-a cuprins într-o seară în tinerețe când mergea pe jos. cu doi prieteni.. La apus.

La Ackley, a preluat pictura peisagistică, prezentând viața rurală și viața agricolă din jurul său, mai întâi în culori vesele și apoi în cele mai întunecate. De asemenea, s-a întors la imaginile sale preferate, creând noi versiuni ale unora dintre tablouri.

În ultimii ani ai vieții sale, artistul a susținut financiar membrii familiei sale supraviețuitori și a comunicat cu ei prin poștă, preferând să nu-i viziteze. El și-a petrecut cea mai mare parte a timpului singur, descriind suferința și umilința din anii săi avansați. Când a fost lovit de gripa aproape fatală în timpul Marii Pandemii, și-a surprins silueta slabă și barbă într-o serie de autoportrete, de îndată ce a putut ridica o pensulă.

În plus, a pictat o serie de autoportrete, pe una dintre ele intitulată „Între ceas și pat”, datând din 1940-1942, cu puțin înainte de moartea sa, privitorul vede ce a devenit un bărbat care, așa cum a scris, a căzut în spatele „Dansului vieții”.

Înghețat și incomod fizic, stă în picioare între ceasul bunicului și pat, ca și cum ar fi cerut scuze pentru că a ocupat atât de mult spațiu. Pe peretele din spatele lui erau „copiii” săi, unul peste altul. Ca părinte devotat, a sacrificat totul pentru ei …

2. Vasili Kandinsky

Unul dintre pionierii artei contemporane abstracte, Wassily Kandinsky a folosit relația evocatoare dintre culoare și formă pentru a crea o experiență estetică care a implicat vederea, sunetul și emoțiile publicului. El credea că abstractizarea completă permite exprimarea profundă, transcendentală și că copierea din natură interferează doar cu acest proces.

Extrem de inspirat de creația artei care să transmită un sentiment universal de spiritualitate, el a introdus un nou limbaj pictural care se leagă doar liber de lumea exterioară, dar a exprimat multe despre experiența interioară a artistului. Vocabularul său vizual s-a dezvoltat în trei etape, trecând de la pânzele timpurii, reprezentative și simbolismul lor divin la compozițiile sale entuziaste și operice, precum și reprezentările sale ulterioare, geometrice și biomorfe în culori plate. Arta și ideile lui Vasily au inspirat generații de artiști, de la studenții săi de la Bauhaus la expresioniștii abstracte de după al doilea război mondial.

3. Egon Schiele

Cu stilul său grafic semnat, îmbrățișând distorsiunea figurativă și sfidarea îndrăzneață a normelor convenționale de frumusețe, Egon Schiele a fost una dintre figurile de frunte în expresionismul austriac.

Portretele și autoportretele sale, studii arzătoare ale psihicului și intimității șezătorilor săi, sunt unele dintre cele mai izbitoare și memorabile lucrări ale secolului XX. Artistul, izbitor de prolific pe parcursul scurtei sale cariere, este renumit nu numai pentru munca sa bogată psihologic și erotic, ci și pentru biografia sa intrigantă: stilul său de viață licențios este marcat de scandal, notorietate și o moarte tragică timpurie din cauza gripei la vârsta de douăzeci și opt, trei zile mai târziu, după moartea soției sale însărcinate și într-un moment în care se afla în pragul succesului comercial care l-a eludat în cea mai mare parte a carierei sale.

Egon a fost o figură cheie în dezvoltarea expresionismului în pictură. A scris un număr fenomenal de autoportrete și a realizat peste trei mii de desene. Opera sa are adesea un conținut emoțional intens pe lângă explorarea sinceră a corpului uman. A lucrat alături de Gustav Klimt și Oskar Kokoschka, alți artiști austrieci cheie ai epocii.

Scurtă, dar fructuoasă carieră artistică a lui Egon, conținutul erotic explicit al operei sale și acuzațiile de hărțuire intimă l-au făcut subiectul a numeroase filme, eseuri și spectacole de dans, iar Muzeul Leopold din Viena are cea mai mare colecție de opere ale lui Schiele: peste două sute expune.

4. Marc Chagall

Lucrările lui Chagall sunt îmbibate în moștenirea sa evreiască, incluzând adesea amintiri despre casa sa din Vitebsk, Belarus și cultura sa populară. De regulă, artista s-a întors întotdeauna la aceste teme. Unii susțin că stilul său de a picta după război a fost mai restrâns, mai melancolic, ba chiar s-a întors în timp până la postimpresionism, dar, ca întotdeauna, opera sa a fost complet unică, realizată în propriul său stil inimitabil. Mark a combinat elemente ale multor școli de artă modernă de-a lungul carierei sale, inclusiv cubismul, fauvismul, simbolismul, suprarealismul, orfismul și futurismul. Cu toate acestea, lucrarea sa a dezvăluit niveluri mai profunde de rezonanță, estetică emoțională lirică, muzică și cultură, o înțelegere profundă și interioară a moștenirii evreiești.

În 1985, Chagall a murit și a fost îngropat în Franța. La momentul morții sale, a lăsat în urmă o serie de colecții extinse în diverse domenii și stiluri de artă. Opera lui Mark demonstrează o înțelegere magistrală a culorii și o rezonanță emoțională profundă, care este probabil motivul pentru care opera sa este încă atât de populară astăzi.

Contribuția sa la lumea artei din secolul XX este una pe care foarte puțini artiști o pot pretinde.

5. Paul Klee

Paul era ambițios și idealist, dar păstra un profil scăzut și calm. El credea în evoluția organică treptată a evenimentelor, mai degrabă decât forțând schimbarea, iar abordarea sa sistematică a muncii a făcut ecou acestei abordări metodice a vieții.

A fost în principal un desenator (stângaci, de altfel). Desenele sale, uneori foarte puerile, erau foarte precise și controlate.

Klee a fost un observator entuziast al naturii și al elementelor naturale, ceea ce a constituit o sursă inepuizabilă de inspirație pentru el. El și-a forțat adesea elevii să observe și să deseneze ramuri de copaci, sistemul circulator uman și acvarii cu pești pentru a studia mișcarea lor.

Abia în 1914, când Paul a plecat în Tunisia, a început să înțeleagă și să exploreze culoarea. În plus, s-a inspirat în studiile sale de culoare de prietenia sa cu Kandinsky și de lucrările artistului francez Robert Delaunay. Paul a învățat de la Delone ce culoare poate fi atunci când este utilizată într-un mod pur abstract, indiferent de rolul său descriptiv.

Artistul a fost influențat și de predecesorii săi precum Vincent Van Gogh, Henri Matisse, Picasso, Kandinsky, Franz Marc și alți membri ai grupului Blue Rider, care credeau că arta ar trebui să exprime spiritualitatea și metafizica, și nu doar ceea ce se vede și tangibil.

De-a lungul vieții sale, muzica a avut o mare influență, manifestându-se în ritmul vizual al imaginilor sale și în notele staccato ale accentelor sale de culoare. El a creat o imagine foarte asemănătoare cu modul în care un muzician cântă o piesă muzicală, ca și cum ar face muzica vizibilă sau arta vizuală audibilă.

Moștenirea artistică a lui Klee a fost imensă, chiar dacă mulți dintre succesorii săi nu au citat în mod deschis opera sa ca sursă sau influență evidentă. Chiar și în timpul vieții lui Paul, suprarealiștii au descoperit că juxtapunerea lui aparent aleatorie de text, semne abstracte și simboluri reductive sugerează modul în care mintea într-o stare de somn recombină obiecte de zi cu zi disparate și oferă astfel o nouă înțelegere a modului în care inconștientul are putere chiar și asupra realității de trezire …

Reputația artistului a crescut semnificativ în anii 1950, când, de exemplu, expresioniștii abstracte i-au putut vedea opera în expoziții din New York. Utilizarea lui Paul de semne și simboluri a fost de un interes deosebit pentru artiștii din Școala din New York, în special pentru cei interesați de mitologie, inconștient și primitivism (precum și arta autoeducației și arta copiilor). Folosirea culorii de către Klee ca mijloc expresiv de exprimare a emoțiilor umane în sine a atras, de asemenea, artiști cu o preferință pentru o paletă bogată de culori, cum ar fi Jules (Jules) Olitzky și Helen (Helene) Frankenthaler.

6. Franz Marc

Ca o figură de frunte în mișcarea expresionistă germană, Mark a contribuit la redefinirea naturii artei. Mișcarea expresionistă era cunoscută pentru interesul său față de spiritualitate și primitivism, precum și pentru utilizarea sa de abstractizare. Franz și-a încorporat dragostea pentru teologie și animale în opera sa pentru a crea o viziune alternativă, mai spirituală asupra lumii. A portretizat lumea prin ochii animalelor, pe care le-a folosit pentru a evidenția aspecte ale modernității pe care le-a privit nefavorabil. Dar lucrările sale ulterioare s-au deplasat și dincolo de formele reprezentative în abstracție pură, deschizând calea pentru următoarea generație de artiști.

Deși cariera sa a fost scurtă, formele sale expresive liniare și utilizarea simbolică a culorii au avut o influență durabilă asupra lumilor abstractizării și expresionismului. Cu toate acestea, artiști precum Jackson Pollock și Willem de Kooning pot fi numiți descendenții săi. Acești artiști au fost inspirați de abilitatea lui Mark de a evoca sentimente de emoție cu interesul său pentru spiritual și primitiv, precum și de utilizarea lui de culori vibrante. Expresioniștii abstracte s-au bazat pe contribuțiile lui Franz pentru a crea picturi care puneau accentul pe forme mai minime, generalizate, concentrându-se în principal pe expresia liniară și pe culoare.

Aceste noi abordări ale expresionismului au căutat să evidențieze luptele personale ale artiștilor cu schimbările care au avut loc după sfârșitul celui de-al doilea război mondial. Generațiile ulterioare de expresioniști, precum pictorii de câmpuri de culoare care au adus expresionismul în starea sa cea mai minimalistă și simplistă, pot fi văzuți ca descendenți ai lui Mark și ai contemporanilor săi. Într-adevăr, Franz Marc, ca unul dintre fondatorii expresionismului german, a fost esențial în definirea modernismului în secolul al XX-lea și nu numai.

7. Van Gogh

Exemple ilustrative ale influenței largi a lui Van Gogh pot fi văzute de-a lungul istoriei artei. Fauves și expresioniștii germani au lucrat imediat după Van Gogh și au adoptat utilizarea sa subiectivă și spirituală a culorii. Expresioniștii abstracte de la mijlocul secolului al XX-lea au folosit apăsările vaste și expresive ale lui Van Gogh pentru a arăta starea psihologică și emoțională a artistului. Chiar și neoexpresioniștii din anii 1980, cum ar fi Julian Schnabel și Eric Fischl, au o datorie față de paleta și pensula expresivă a lui Van Gogh.

În cultura populară, viața sa a inspirat muzică și numeroase filme, inclusiv pofta de viață a lui Vincent Minnelli (1956), care explorează relația volatilă dintre Van Gogh și Gauguin. În timpul vieții sale, Van Gogh a creat nouă sute de tablouri și a realizat o mie de sute de desene și schițe, dar în timpul carierei sale a vândut un singur tablou. Artistul nu a avut copii ai săi, iar majoritatea lucrărilor sale s-au dus la fratele său Theo.

Continuând tema marilor pictori, citiți și despre unde suprarealistul Joan Miró căuta inspirație, și care dintre poeți și artiști a avut cea mai puternică influență asupra operei sale.