De ce se știe astăzi publicul care râde de impresioniști?

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Modificat ultima dată: 2023-12-16 00:16

Astăzi, impresionismul este cea mai populară direcție artistică. Dar când impresioniștii au încercat să se stabilească la Paris în anii 1860 și 1870, lucrurile au fost foarte diferite. Au fost disprețuiți, batjocoriți și lucrările lor au fost adesea expuse pentru amuzamentul publicului, care nu a cruțat observații clare despre artiști.

1. Micul dejun al vâslașilor, Renoir

Micul dejun Rowers este un Renoir clasic: modern, care arată oamenilor distrându-se, cu lovituri de perie fluide și finisat în stilul bogat și lucios cu care Renoir este familiarizat. Renoir a iubit lacul cu barca la nord de Chateau Croissy. Acest loc era lângă hotelul Fournaise, unde Renoir avea grijă de soția sa Alina și unde se întorceau adesea vara. Pictura este complet impresionistă: descrie o scenă modernă, haine moderne și nu urmărește să transmită niciun mesaj moral. Este vorba doar despre distracția oamenilor duminica după-amiază.

Cu toate acestea, acest lucru a fost în concordanță cu filosofia generală a picturii lui Renoir. După cum a spus: Alina este descrisă în prim-plan cu un câine în genunchi. Ea vorbește cu un grup de oameni, inclusiv cu pictorii impresionisti Gustave Caillebotte și Mary Cassatt. Pictura este deosebit de impresionantă prin faptul că combină trei genuri într-unul: portret, natură moartă (fructe pe masă) și peisaj (frunziș luxuriant în fundal).

Dar, în timp ce viața personală a lui Renoir era într-o ordine perfectă, cariera sa era încă atârnată în echilibrul îndoielilor. La fel ca alți impresioniști, el nu a putut găsi cumpărători obișnuiți pentru munca sa și în vara anului 1881 a trecut printr-o criză care l-a condus la așa-numita perioadă secetoasă (se temea că stagnează și se întreba dacă ar trebui să conducă o nouă direcție artistică). Într-adevăr, el a plătit adesea mâncare și cazare la Fournaise donând tablouri. Micul dejun al vâslașilor a fost prezentat la cea de-a șaptea expoziție impresionistă, desfășurată în 1882. El a primit chiar și complimente în schimb de la o serie de alți critici ostili. Acestea includeau comentariul lui Armand Sylvester conform căruia era una dintre cele mai bune picturi „produse de această lucrare rebelă a artiștilor independenți” și remarca caustică a lui Albert Wolfe că „dacă Renoir ar învăța cu adevărat să picteze, atunci ar putea avea o pictură frumoasă”.

2. Bar la Folies Bergeres, Manet

În 1882, Manet murea de sifilis terțiar. Dar a continuat să se străduiască să picteze și să-și expună lucrările în Salonul oficial de arte plastice, unde a obținut în cele din urmă succesul anul trecut (primind o medalie de clasa a II-a pentru o pictură a aristocratului Henri Rochefort). Acest lucru era important și însemna că Manet își putea expune lucrările fără acordul unui juriu ostil.

Barul de la Folies Bergère a fost una dintre cele două lucrări pe care le-a prezentat în 1882. Pictura reprezintă unul dintre cele mai uluitoare locuri din iubitul Paris al lui Manet - la Folies Bergère. Lucrarea este complet modernă (demonstrație de iluminat electric, sticle de bere din Anglia și mandarine importate) - toate acestea și multe altele fac parte integrantă din această lucrare.

Această imagine, la fel ca multe dintre lucrările lui Manet, este misterioasă. O femeie pe nume Suzon privește privitorul de la distanță, aparent pierdută în propriile gânduri. Este îmbrăcată modest în multe feluri, dar poartă un colier negru foarte distinctiv. În ciuda calmului său pronunțat, Suzon pare să aibă o discuție plină de viață cu domnul în pălărie. Este greu de spus dacă vorbesc despre băuturi sau despre ceva mult mai serios. Și atunci apare întrebarea, cine este acest om misterios: patron, iubit sau tată Suzon?

Cea mai importantă este însă utilizarea curioasă a reflexiei. Bara are în mod clar o oglindă mare în spatele ei. Dar Mane se joacă în mod deliberat cu reflecția pentru a ne oferi o imagine de ansamblu bună asupra spatelui lui Suzon și a persoanei cu care vorbește. Rezultatul i-a nedumerit pe contemporani și este nedumeritor până în prezent. Un fapt interesant este că Manet era prea bolnav pentru a picta la Folies Bergeres, așa că Suzon a venit la studioul său pentru a poza în spatele unui bar special conceput.

3. Jucătorii de cărți, Cezanne

Cezanne este cunoscut mai ales pentru seria sa din cinci piese The Card Players. Una dintre tablouri a stabilit un record mondial de prețuri: în 2011 a fost vândut cu aproape două sute șaizeci de milioane de dolari. Paul Cezanne era o persoană dificilă. Născut în Aix-en-Provence, în sudul Franței, a luptat mulți ani pentru a scăpa de tatăl său dominator. Era foarte temperat și o mare parte din lucrările sale timpurii erau destul de deranjante (include chiar și picturi de crimă).

Dar, cu sprijinul lui Pissarro, a fost introdus în sânul impresioniștilor și a expus în două dintre cele opt expoziții independente ale acestora, deși a provocat recenzii contradictorii cu opera sa. De exemplu, un critic, după ce a văzut „Olimpia modernă”, a scris că Cezanne este un om cu litere mari, „un fel de nebun care scrie într-o stare de delirium tremens”. În anii 1890, Cézanne se îndepărtase de soția și cel mai bun prieten al lui Émile Zola și era aproape complet devotat artei sale.

Seria Jucători de cărți a lui Cézanne îi înfățișează pe muncitorii provensali locali care se concentrează pe jocurile lor de cărți. Două imagini arată trei jucători de cărți, restul - doar doi. Jucătorii stau liniștiți și par complet detașați unul de celălalt. Proporțiile multor jucători par ciudate: priviți capetele mici, brațele lungi și corpurile mari, iar țevile și pălăriile sunt foarte diferite între ele (tatăl lui Cezanne avea o afacere cu pălării înainte de a deveni bancher). În plus, albastrul, culoarea preferată a lui Cézanne, este vizibilă în toate picturile sale, cu excepția uneia. Paul a finalizat o mulțime de cercetări înainte de a reuși să picteze cinci dintre aceste tablouri, dintre care unul (versiunea finală) se află într-o colecție privată cumpărată de familia regală din Qatar pentru un record mondial de 259 milioane de dolari în 2011.

4. Bulevardul Montmatre, Pissarro

Pissarro nu este probabil cel mai faimos impresionist. Dar el a fost legătura principală care a ținut mișcarea impresionistă laolaltă. Născut în Indiile de Vest Daneze (acum Insulele Virgine SUA) în 1830, Camille Pissarro a fost unul dintre principalii membri ai grupului impresionist. El a jucat un rol esențial în organizarea primei expoziții impresioniste independente în 1874, iar abordarea sa prietenoasă și relaxată a vieții i-a permis să medieze personalități dificile precum Degas și Cézanne.

În 1897, Pissarro a închiriat o cameră la Hotelul de Russi și a produs o serie de douăsprezece tablouri care înfățișează Bulevardul Montmatre în diferite momente ale zilei și în diferite perioade ale anului. Doar una dintre tablouri reprezintă un drum de noapte. Folosind apăsări destul de grosolane și culori îndrăznețe, Camille a creat o lucrare uimitoare care descrie luminile strălucitoare ale magazinelor, teatrelor, felinarelor pe gaz și taxiurilor într-o seară umedă pariziană. Pissarro surprinde chiar și reflexia luminilor strălucitoare pe un cer întunecat, un exemplu timpuriu de tenebrism. Și scenele sale din timpul zilei nu sunt mai puțin remarcabile pentru varietatea lor. Privirea se agață de strada aglomerată într-o dimineață tulbure de primăvară și un apus cald când copacii înfloresc.

5. Nuferi, Monet

Monet este cel mai faimos impresionist din zilele noastre, renumit pentru „Nuferii” săi. În total, seria include mai mult de două sute cincizeci de tablouri create în ultimii treizeci de ani din viața lui Monet. Monet s-a mutat în Giverny, un orășel lângă Paris, în 1883 (anul morții lui Manet). Pentru început, a închiriat o fermă mare, cumpărând-o aproximativ zece ani mai târziu, pe măsură ce munca sa a crescut în popularitate și valoare, iar apoi, la începutul anilor 1890, a achiziționat un teren lângă casă și a început să-l transforme într-un grădină cu apă. Ulterior a angajat un grădinar care să aibă grijă permanent de iazuri și crini.

Giverny a fost locul în care Monet a continuat să picteze cu un zel remarcabil până la moartea sa. Timp de treizeci de ani, începând cu mijlocul anilor 1890, Monet a pictat în principal nuferi. Aceasta a fost probabil cea mai completă serie de picturi ale sale (a pictat și multe versiuni de fânuri, plopi, catedrala din Rouen și casele Parlamentului) și nu este surprinzător faptul că seria acestor lucrări este atât de puternică, lăsând o impresie durabilă. Nimeni nu a folosit vreodată atât de abil culoarea, lumina și reflexia. În plus, există o selecție imensă de picturi: tablouri ale unui iaz, un pod japonez pe care Monet l-a instalat în 1906 și prim-planuri extreme ale unei mână de crini. Unele dintre pânzele sunt uriașe, în special cele care se află acum în Muzeul Orangerie din Paris.

Monet a continuat să picteze nuferi, în ciuda faptului că viziunea sa a fost afectată de cataractă din 1908 (în cele din urmă a acceptat să o îndepărteze chirurgical). În anii de cataractă, Monet a folosit mult mai multe roșii și portocale. Monet a fost cel mai longeviv dintre impresioniști: el a supraviețuit lui Manet cu mai mult de patru decenii, iar Renoir cu șapte ani. A scris nuferi până la moartea sa, în decembrie 1926.

Iar variante ale picturilor din seria „Nuferi” pot fi văzute în toată lumea. National Gallery din Londra și Musée d'Orsay din Paris au propriile lor versiuni. Același lucru se poate spune și pentru Muzeul Metropolitan de Artă din New York, Washington National Gallery și Tokyo National Gallery of Western Art. Muzeul orangeriei pariziene a fost special construit sub instrucțiunile stricte ale lui Monet pentru a-și păstra moștenirea de doisprezece „nuferi” uriași.

Citiți și despre ce este interesant la zece picturi legendare ale lui Rafael.