Ceea ce în acel moment a devenit faimos pentru Caravaggio, Rembrandt, Velazquez și alți artiști baroci

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Modificat ultima dată: 2023-12-16 00:16

Istoria picturii are multe secole, precum și stiluri, forme și direcții. Cu toate acestea, cel mai faimos și mai popular dintre ei a fost și rămâne barocul. Pictorii și creatorii acestei ere au uimit cu ideile lor inovatoare, au creat direcții noi și au lucrat în stiluri interesante și unice. Cine sunt ei, cei mai buni reprezentanți ai acestei ere în lumea artei și ce se știe despre ei?

1. Caravaggio

S-ar putea să nu învățăm niciodată pe deplin secretul celor mai uimitoare picturi din epoca barocă, dar o privire asupra istoriei Caravaggio relevă câteva dintre secretele sale. Viața lui a fost tragică până la imposibilitate. El a rămas orfan timpuriu, după ce și-a pierdut cea mai mare parte a familiei la vârsta de zece ani în timpul unei epidemii de ciumă. Și după ce a asistat la execuția brutală a unei tinere nobile în 1599, a început să picteze femei răzbunătoare tăind capetele bărbaților.

Michelangelo a devenit cel mai faimos pictor din Roma în 1600 și a dat naștere stilului baroc, precum și tehnicii clarobscurului. Dar, când nu scria, s-a înconjurat de hoți, fete de virtute ușoară, beție, petreceri și lupte.

Nu trebuie să fii expert în simbolurile și codurile artei renascentiste pentru a observa violența din picturile lui Caravaggio. El poate deține recordul numărului de capete tăiate, iar opera sa religioasă a stârnit mânia Bisericii Catolice, deoarece a folosit confuzii ca model pentru Fecioara Maria.

Caravaggio știa că este un artist uimitor și nu a ezitat să-și critice rivalii. Contemporanul său Giovanni Baglione a spus:.

În jurul anului 1600, la Roma, Biserica Catolică a fost cea mai importantă sursă de patronaj pentru artiști precum Caravaggio. El nu a ezitat să depășească limitele artei, chiar dacă aceasta a jignit sentimentele Bisericii. Una dintre cele mai controversate mișcări ale artistului a fost utilizarea modelelor din cele mai sărace secțiuni ale populației Romei, inclusiv hoții, vagabonții și prostituatele.

În 1601, Michelangelo și-a pierdut ordinul de a crea imaginea Fecioarei Maria pentru Biserica Santa Maria della Scala din Roma datorită faptului că a folosit celebrul confuz ca model pentru imaginea Maicii Domnului. Însă tabloul, care i-a șocat pe catolici la Roma, a găsit favoare în afara Italiei. Ulterior a fost achiziționată de regele englez Carol I și apoi a intrat în colecția regală franceză.

Picturile sale religioase îndrăznețe și deschise au fost extrem de dorite, dar și semnificativ diferite de stilurile anterioare de reprezentare a sfinților. S-a bucurat de cruzimea martiriului pictând mai multe scene diferite de răstignire. Unora nu le-a plăcut felul în care artistul i-a portretizat pe sfinți în lumina naturală și umană. Alții au considerat opera sa ca fiind rea și vulgară.

Și când în 1606 Caravaggio a ucis un bărbat, a fost forțat să fugă din Roma. Papa i-a impus o sentință de moarte pe cap, iar Caravaggio a murit patru ani mai târziu fără a primi iertare papală.

2. Rembrandt

Rembrandt a fost cel mai mare pictor olandez al timpului său și una dintre cele mai importante figuri din arta europeană. Numeroasele autoportrete pe care le-a pictat de-a lungul vieții sale sunt un fel de autobiografie vizuală.

S-a născut la 15 iulie 1606 la Leiden, fiul unui proprietar de moară. În 1621 și-a început studiile cu un artist local, iar în 1624-1625 s-a aflat la Amsterdam, studiind cu Peter Lastman, care a vizitat Italia și l-a introdus acum pe tânărul artist tendințele internaționale.

De-a lungul vieții sale, s-a căutat singur, încercând de fiecare dată noi tehnici și stiluri. Cariera sa mergea rapid în sus, apoi se rostogolea în tartare, lăsând în urmă o serie de probleme și necazuri, inclusiv falimentul cu confiscarea bunurilor. Dar, în ciuda urmei negre din viață, el a continuat să primească ordine. Rembrandt era interesat de desen și gravură, precum și de pictură, iar amprentele sale au fost faimoase în toată lumea.

De-a lungul carierei sale, a atras studenți care i-au servit și ca asistenți. Lucrarea lor era uneori foarte dificil de distins de opera lui Rembrandt însuși, deoarece toți îl imitau pe deplin.

3. Bernini

Bernini a dominat lumea artei romane din secolul al XVII-lea, înflorind sub patronajul cardinalilor și papilor săi și provocând tradițiile artistice moderne. Proiectele sale sculpturale și arhitecturale dezvăluie interpretarea inovatoare a comploturilor, utilizarea formelor și combinația de suporturi. Pregătind calea pentru viitorii artiști, el a contribuit la crearea unui vocabular dramatic și elocvent al stilului baroc.

Una dintre capodoperele sale, Extazul Sfintei Tereza (din marmură multicoloră), este o figură mistică zdruncinată fizic de o viziune miraculoasă. Chemat în Franța de regele Ludovic al XIV-lea pentru a lucra la Palatul Luvru, Bernini a părăsit Roma pentru scurt timp. Deși planurile sale arhitecturale au fost respinse, el a finalizat totuși portretul-bust al lui Ludovic al XIV-lea (Chateau, Versailles), o descriere maiestuoasă a unui monarh într-un costum care flutura dramatic, și s-a întors acasă.

Sub Papa Urban al VIII-lea, Bernini a primit primul din mai multe comisioane pentru Bazilica Sf. Petru - o marmură imensă, bronz și baldacchino aurit care se afla deasupra altarului papal. La scurt timp după aceea, a început să creeze un monument pentru Urban VIII, o lucrare care a determinat iconografia viitoarelor monumente funerare papale.

În lucrările ulterioare ale lui Petru cel Mare, plasate într-o absidă pentru a înconjura vechiul Tron despre care se crede că aparțineau Sfântului Petru, lumina naturală este amplificată de raze aurii împrăștiate, creând un cadru divin, iar piesa sacră captează imediat atenția privitorului. Ultima lucrare a lui Bernini pentru Biserica Sf. Petru, începută sub Papa Alexandru al VII-lea, a fost proiectul unei piețe gigantice care ducea la biserică. El însuși a comparat spațiul oval, conturat de două colonade independente, cu o biserică mamă care își întinde brațele pentru a îmbrățișa credincioșii.

De asemenea, și-a demonstrat abilitatea de arhitect în biserica Sant'Andrea Al Quirinale, iar abilitățile sale inginerești l-au ajutat să creeze fântânile.

4. Velazquez

Opera lui Velázquez este considerată pe scară largă drept cea mai perfectă descriere a barocului spaniol. Acolo unde accentul se mută de la trăsăturile renascentiste ale luminii strălucitoare și de la o perspectivă matematică, barocul favorizează esența umanității, arătând lucrurile așa cum ar trebui să fie văzute. Dezvoltarea clarobscurului a însemnat că umbra a devenit la fel de importantă ca lumina, în care lucrurile pot fie ascuns. sau evidențiat, contrastat sau etalat. Acest efect a fost adesea folosit de Velazquez.

Pregătirea timpurie ca elev al lui Pacheco i-a dat o bază în realismul italian, care a devenit principala trăsătură a artei sale. Pe măsură ce stilul său artistic a devenit mai încrezător în sine, s-a aplecat mai mult spre o viziune naturalistă asupra lucrurilor, de exemplu, în „Epifanie” recreează această celebră scenă cu membrii propriei sale familii, spre deosebire de tradiționalele Maria și Iisus. Aceasta servește la universalizarea scenei, făcând-o relevantă pentru fiecare familie.

În timpul călătoriilor lui Velazquez în Italia, el a fost puternic influențat de marii maeștri de la Veneția și acest lucru s-a remarcat în special în utilizarea culorii sale. Faimoasele „Doamne de Onoare” și „Predarea Delirului” sunt exemple bune în acest sens. Ultima pictură a ajuns în sala tronului regelui Filip al IV-lea, unde au fost sărbătorite victoriile sale militare. Imaginea este atât de emoționantă încât Velazquez s-a concentrat mai degrabă pe sentimentul uman decât pe vărsarea de sânge și agresiunea războiului. Chipul comandantului spaniol Spinola este plin de compasiune în timp ce Fortul olandez se predă în cele din urmă după un asediu de patru luni.

S-a inclus în multe dintre picturile sale, în special în cele mai târzii. Acest lucru subliniază legătura inextricabilă a artistului cu opera sa și sugerează, de asemenea, că Velazquez s-a văzut ca o figură destul de exaltată și nu ca un artist modest.

A lucrat la curtea regală, creând portrete ale regelui și ale familiei sale, iar alegerea sa de a picta bufeuri și pitici de curte a contribuit la studiul ulterior al formei umane. „Midgetul stând pe podea” este un bun exemplu al modului în care Velazquez a dovedit că toată lumea este demnă de a fi desenată.

5. Rubens

Rubens s-a născut în Siegen, Germania, în Westfalia. Tatăl său, Jan Rubens, avocat și consilier al Anversului, a fugit din Țările de Jos spaniole (Belgia modernă) în 1568 împreună cu soția sa Maria Pipelinx și patru copii pentru a evita persecuția religioasă pentru credințele sale calviniste.

După moartea lui Jan în 1587, familia s-a întors la Anvers, unde tânărul Peter Paul, crescut în credința romano-catolică a mamei sale, a primit o educație clasică. Educația sa artistică a început în 1591 cu o ucenicie cu Tobias Verhecht, un rud și pictor de peisaj cu talent modest. Un an mai târziu, s-a mutat în studioul lui Adam Van North, unde a rămas timp de patru ani până când a devenit ucenic la artistul de vârf din Antwerp, Otto van Veen, decanul Artiștilor din Sf. Luca.

Majoritatea operelor tinere ale lui Rubens au dispărut sau au rămas neidentificate. În 1598 Rubens a fost admis în breasla artiștilor din Anvers. Probabil că a continuat să lucreze în atelierul lui Van Veen înainte de a pleca în Italia în mai 1600. La Veneția, a absorbit strălucirea și expresivitatea dramatică a capodoperelor renascentiste ale lui Titian, Tintoretto și Veronese. Angajat de Vincenzo I Gonzaga, ducele de Mantua, Rubens a plecat la Mantua, unde principala sa datorie era să facă copii ale picturilor renascentiste, în principal portrete ale frumuseților curții.

În octombrie același an, Paul l-a însoțit pe ducele la Florența pentru a participa la nunta surorii lui Gonzaga, Maria de Medici, cu regele Henric al IV-lea al Franței, scenă pe care Rubens urma să o recreeze un sfert de secol mai târziu pentru regină. Până la sfârșitul primului an, călătorise deja în toată Italia cu un caiet de schițe în mâini. Copii ale picturilor renascentiste realizate de el oferă o bogată imagine de ansamblu asupra realizărilor artei italiene din secolul al XVI-lea.

În august 1601, Rubens a sosit la Roma. Acolo, noul stil baroc proclamat de Annibale Carracci și Caravaggio, Michelangelo și Rafael a fost adoptat rapid de Rubens. Prima sa lucrare romană majoră a implicat trei mari picturi pentru capela criptă a Sfintei Elena din Bazilica Santa Croce.

Rubens s-a plâns că este cel mai aglomerat și mai obosit om din lume, dar a continuat să-și asume sarcini importante ale bisericii. Adorația sa pentru magi pentru Abația Sf. Mihail a fost încoronată cu trei sculpturi monumentale după propriul său design.

În plus, artistul nu a neglijat patronii și comenzile private. El și-a înfățișat cu măiestrie medicul și prietenul Louis Nonnius, viitoarea sa nora Suzanne Fourment și fiii săi Albert și Nicholas. Peisajul său cu Philemon și Bavkid dezvăluie într-o venă poetică viziunea sa eroică și catastrofală asupra naturii. Iar Infanta Isabella a comandat de la Rubens un amplu ciclu de tapiserii „Triumful Euharistiei”, care este o manifestare fără precedent a iluzionismului baroc.

Ce putem spune, dar arta a fost, este și va fi de neprețuit timp de secole. Și nu este deloc surprinzător faptul că lumea este plină de oameni care sunt dispuși să introducă una sau alta pictură în colecția lor (cel mai adesea prin mijloace ilegale). Cineva face o crimă de dragul banilor și cineva încearcă pur și simplu să-și amuze mândria, face fotografiile de sub nasul gardienilor, fără a lăsa urme.