Cine Rodin a creat cu adevărat „Gânditorul” sau „Dolitorul”: adevăratul sens al operelor de artă celebre

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Modificat ultima dată: 2023-12-16 00:16

Oricine poate observa cu ușurință că subiectul durerii este foarte popular printre artiști. Și adesea oamenii moderni nici măcar nu știu despre istoria originii unor picturi sau sculpturi și despre adevăratul lor sens.

"Portretul Veneției Stanley, Lady Digby" Van Dyck

Se pare că tânăra doarme liniștită. Cu toate acestea, când artistul flamand Anthony van Dyck, în 1633, a încercat să transmită pe pânză toată frumusețea aristocratică a Veneției Stanley, Lady Digby, el pictează de fapt un portret … al unui cadavru de două zile zăcând pe patul de moarte.

Tulburat de durere pentru a descoperi că soția sa murise brusc noaptea, la vârsta de 33 de ani, soțul Veneției, Sir Kenelm Digby, i-a cerut lui Van Dyck, pictorul de curte al regelui Carol I, să-și picteze soția plecată înainte de „chirurgii și legii legisti. a sosit.

Anthony van Dyck a scris Veneția, Lady Digby pe patul ei de moarte în 1633 - la două zile după ce femeia a murit în somn

Van Dijk s-a apucat de treabă, ignorând schimbările teribile care au loc corpului uman după moarte. Pe gâtul palid, fermecător al Veneției, a desenat un colier de perle, iar pe marginea cearșafului a împrăștiat petale de trandafir. Digby a crezut că pictura lui Van Dyck, care se află acum în galeria de artă Dulwich din Londra, a fost realizarea supremă a creației artistului. Potrivit acestuia, acest „trandafir” părea „estompat” chiar la prima vedere și trebuia să simbolizeze moartea soției sale.

În ciuda faptului că au trecut aproape 4 sute de ani, există încă zvonuri conform cărora Digby, care a fost nu doar un curten și diplomat, ci și un inventator și alchimist, a provocat el însuși moartea soției sale. Unii spun că a dat Veneției un amestec de sânge de viperă de băut, cu care spera să-și păstreze frumusețea. Alții cred că a ucis-o într-un acces de gelozie - la urma urmei, el ar fi spus odată despre notorietatea licențioasă a Veneției că „un bărbat înțelept și puternic poate face o femeie cinstită chiar și dintr-un bordel”. Interesant este faptul că, deși s-a efectuat o autopsie, rezultatele sale nu au fost păstrate.

Cu toate acestea, Digby s-a trezit devastat de moartea Veneției. El i-a scris fratelui său că portretul postum al lui Van Dyck „este singurul companion constant pe care îl am acum. Stă toată ziua în fața scaunului și a mesei mele … și toată noaptea lângă pat. Când lumina slabă a lunii cade peste el, mi se pare că o văd cu adevărat moartă.

Cu alte cuvinte, conform scrisorii lui Digby, pictura în ulei a lui Van Dyck, cu dimensiuni mai mici de un metru pătrat, a devenit o consolare și un confort pentru văduvul afectat de durere. Dacă trandafirul din imagine este într-adevăr „emblema” tranzitoriei vieții, imaginea în sine simbolizează ceea ce poate fi numit arta tristeții.

Pe lângă monumentele funerare din biserici, care au fost instalate în principal în memoria celor decedați, tema durerii în arta occidentală înainte de era lui Van Dyck, în Evul Mediu și în timpul Renașterii, de regulă, a fost găsită doar în religie pictură și sculpturi dedicate poveștii tragice a morții lui Hristos …

Pieta lui Michelangelo din Bazilica Sf. Petru

Uimitoarea pietă de marmură a lui Michelangelo din Bazilica Sf. Petru este singura lucrare de sculptură pe care a semnat-o vreodată. Ea o înfățișează pe Fecioara Maria îndurerată, cu Hristos mort întins în poală. Acesta este poate cel mai faimos exemplu, dar există multe altele. De exemplu, se poate selecta o pictură a unui alt artist al Înaltei Renașteri și prieten al lui Michelangelo, Sebastiano del Piombo. Potrivit experților de la Galeria Națională, pictura (pe care del Piombo a lucrat cu Michelangelo) „Plângerea lui Hristos Mort” (c.1512-1516) este „primul peisaj nocturn pe scară largă din istorie” și cerul său luminat de lună se potrivește perfect cu dispoziția mohorâtă.

Pieta lui Michelangelo din Bazilica Sf. Petru este o versiune celebră a uneia dintre cele mai frecvente imagini din catolicism: tristețea Fecioarei Maria pentru moartea fiului ei

Desigur, tema tradițională a dolului pentru Hristos a fost descrisă de mulți autori celebri din istoria artei, de la Giotto și Mantegna la Rubens și Rembrandt. Acestea sunt doar câteva dintre miile de artiști care au descris această scenă biblică într-o formă sau alta de-a lungul secolelor. Într-adevăr, arta jalei a devenit atât de omniprezentă, încât uneori oamenii uită ce privesc. Curatorul noii expoziții a lui Rodin la British Museum a publicat recent un articol care sugerează că faimoasa sculptură franceză The Thinker ar trebui să se numească de fapt The Mourner. „Uită-te cu atenție la mână și bărbie”, a spus Ian Jenkins, autoritate în arta greacă antică. - Dacă această persoană se gândea la ceva, și-ar fi acoperit bărbia cu mâna într-un gest de gândire. Dar în această sculptură, mâna susține bărbia. Iar în Grecia antică era un gest de doliu.

„Insula morților” de Arnold Böcklin

Pictură în ulei pe lemn de Arnold Böcklin „Insula morților”, 1880. Intriga sa se bazează pe mitologia greacă veche. Pictura a inspirat filmul de groază cu același nume de Jacques Tourneur

Dacă introduceți cuvântul „durere” într-un motor de căutare online al oricărui muzeu internațional, acesta va produce multe rezultate. De exemplu, în Marea Britanie, o căutare a acestui cuvânt cheie pe site-ul Tate Gallery a returnat 143 de opere de artă pe tema durerii și suferințelor din diferite perioade.

De exemplu, în secolul al XVIII-lea, artiștii au început să privească durerea și tristețea prin prisma dramei shakespeariene. Un subiect preferat a fost moartea fiicei regelui Lear, Cordelia. În secolul al XIX-lea, pictura uimitor de detaliată a lui John Everett Millais Ophelia (1851-52), pentru care modelul Elizabeth Siddal a pozat câteva ore zilnic în cadă timp de patru luni, este o expresie vizuală renumită și extrem de poetică a durerii. Înfățișează o nobilă daneză din Hamletul lui Shakespeare care a înnebunit de durere pentru tatăl său ucis și s-a înecat într-un pârâu.

Gânditorul lui Rodin

Ian Jenkins de la British Museum crede că The Thinker al lui Rodin ar trebui să fie numit The Mourner, deoarece figura și-a sprijinit bărbia într-un pumn încleștat - un semn clar că persoana este retrasă și cufundată în propria durere.

Durerea a fost un subiect foarte important pentru artiștii din epoca victoriană, când era populară o „cultură a dolului” complexă. În Art of Death (1991), istoricul de artă Nigel Llewellyn notează că „o cultură vizuală impresionantă a morții” a fost un semn distinctiv al secolului al XIX-lea.

„Femeia plângătoare” de Picasso

În secolul al XX-lea, artiștii au continuat tradiția strămoșilor lor victorieni de a-și exprima durerea în lucrările lor. Poate cel mai bun exemplu este Femeia plângătoare a lui Picasso (1937), care este legată de pictura sa epică Guernica din același an, pictată în timpul războiului civil spaniol ca răspuns la avionul german care bombarda un oraș basc. Guernica este considerată de mulți ca fiind expresia supremă a durerii colective a secolului XX. Desigur, există multe exemple de alte picturi ale secolului XX, a căror temă este legată de tristețe. De exemplu, vă puteți aminti un mic tablou de Lucian Freud, pictat de el în 1973 - un portret al mamei sale, întristat de moartea soțului ei.

„Triptic” de Francis Bacon

Francis Bacon și-a pictat în panoul din stânga Tripticul (august 1972) iubitul său George Dyer, care s-a sinucis

Tripticul lui Francis Bacon, care este expus și astăzi la Tate, a reușit să atingă atât durerea personală, cât și cea publică. Unul dintre așa-numiții Triptici negri ai lui Bacon a fost pictat după sinuciderea iubitului său George Dyer, a cărui imagine poate fi văzută în panoul din stânga. Astfel, tripticul este o mărturie de neuitat și foarte personală a suferinței pictorului (care, de altfel, este descrisă în panoul din dreapta).

Bineînțeles, două războaie mondiale din secolul al XX-lea nu au putut să nu aibă un impact asupra artei. Criticii de artă susțin că războiul a avut un efect profund asupra modului în care artiștii au prezentat durerea, comparativ cu secolul al XIX-lea. Spre deosebire de doliu victorian, unde familiile individuale au suferit dureri individuale, aproape fiecare familie din Europa a suferit brusc.

Monumente de război

O consecință a acestui fapt a fost un efort oficial al guvernului de a „crea o cultură vizuală adecvată pentru doliu”. Figurile clasice, alegorice, funerare atât de îndrăgite de victorieni au căzut din modă. În locul lor erau memorialele de război care puneau accentul pe sacrificiul național comun mai degrabă decât pe pierderea indivizilor.

Memorialul de război cenotaf de lângă Whitehall, Londra, proiectat de Edwin Lutyens, este un exemplu arhetipal al acestei noi abordări: în locul figurilor umane, există un sicriu gol care poate fi asociat cu orice soldat. Familiile îndurerate îl pot folosi ca simbol universal.

Taryn Simon a realizat instalația „Ocuparea pierderii”, la care au participat 21 de „jelitori profesioniști” din diferite culturi

Versatilitatea durerii este încă o temă abordată de artiștii contemporani. La începutul acestui an, fotograful american Taryn Simon a primit recenzii extraordinare pentru instalația sa live „Ocuparea pierderii”, pusă în scenă într-o sală subterană din nordul Londrei. Pentru lucrare, care a avut premiera la New York în 2016, Simon a invitat 21 de „jelitori profesioniști” din întreaga lume, inclusiv Albania, Azerbaidjan, Ecuador, Ghana și Venezuela. Publicul putea asculta pe fiecare dintre aceste femei.