9 capodopere ale unor artiști geniali care au inspirat marii designeri de modă și au creat colecții unice

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Modificat ultima dată: 2023-12-16 00:16

De-a lungul istoriei, moda și arta au mers mână în mână pentru a crea o combinație excelentă. Mulți creatori de modă au împrumutat idei din mișcări artistice pentru colecțiile lor, ceea ce a permis interpretarea modei ca o formă de artă care servește în principal pentru a exprima idei și viziuni. Influențați de acest lucru, unii designeri de modă de renume internațional au creat colecții remarcabile bazate pe mișcările artistice ale secolului XX.

1. Madeleine Vionne

Născută în nord-centrul Franței în 1876, Madame Madeleine Vionne era cunoscută drept „zeița stilului și regina croitoriei”. În timpul șederii sale la Roma, a fost fascinată de arta și cultura civilizațiilor grecești și romane și a fost inspirată de zeițe și statui antice. Pe baza acestor opere de artă, ea a modelat estetica stilului ei și a combinat elemente ale sculpturii și arhitecturii grecești pentru a da o nouă dimensiune corpului feminin. Cu abilitatea sa de a îmbrăca și rochii înclinate, Madeleine a revoluționat moda modernă. A consultat deseori opere de artă precum Victoria înaripată a Samotraciei pentru colecțiile sale de artă.

Asemănările dintre capodopera artei elenistice și muza lui Vionne sunt izbitoare. Drapajul adânc al țesăturii în stilul chitonului grecesc creează dungi verticale de lumină care curg pe figura. Sculptura a fost creată în omagiul lui Nike, zeița greacă a victoriei, și este admirată pentru descrierea realistă a mișcării. Draperia curentă a designului Vionnet amintește de mișcarea țesăturii ondulate care aderă la corpul Nike. Rochiile pot fi ca niște ființe vii cu suflet, ca un trup. La fel ca Victoria înaripată a Samotraciei, Madeleine a creat rochii care trezesc esența umană ascunsă adânc în interior. Clasicismul, atât o filozofie estetică, cât și o filozofie de design, i-au oferit Vionne posibilitatea de a-și transmite viziunea în armonie geometrică.

De asemenea, a fost fascinată de mișcările de artă contemporană precum cubismul. Madeleine a început să încorporeze forme geometrice în creațiile sale și a adoptat o altă metodă de tăiere, numită tăiere teșită. Desigur, Vionne nu a pretins niciodată că a inventat tăierea oblică, ci doar și-a extins utilizarea. Pe măsură ce femeile au făcut mari progrese în lupta pentru drepturile lor la începutul secolului al XX-lea, Madeleine și-a apărat libertatea prin abolirea corsetului victorian de lungă durată din îmbrăcămintea zilnică a femeilor. Prin urmare, a devenit un simbol al eliberării femeilor de constrângerea bustierului și în schimb a lansat țesături noi, mai ușoare, care curgeau literalmente pe corpul femeilor.

2. Pierpaolo Piccioli

Pierpaolo Piccioli este proiectantul principal al lui Valentino și este foarte atras de lucrările religioase din Evul Mediu. Punctul de plecare pentru el este momentul de tranziție de la Evul Mediu la Renașterea de Nord. El a colaborat cu Zandra Rhodes și împreună au dezvoltat o colecție de inspirație în primăvara anului 2017. Piccioli a dorit să conecteze cultura punk de la sfârșitul anilor '70 cu umanismul și arta medievală, așa că s-a întors la rădăcinile sale și la Renaștere, găsindu-și inspirația în pictura lui Hieronymus Bosch, Grădina Deliciilor Pământene.

Celebrul pictor olandez a fost unul dintre cei mai proeminenți reprezentanți ai Renașterii de Nord din secolul al XVI-lea. În „Grădina desfătărilor pământești”, pe care Bosch a pictat-o înainte de Reformă, artistul a dorit să descrie Paradisul și creația omenirii, prima ispită a lui Adam și a Evei, precum și a Iadului, anticipându-i pe păcătoși. În panoul central, oamenii par să-și satisfacă apetitul într-o lume a plăcerii. Iconografia lui Bosch se remarcă prin originalitate și senzualitate. Întreaga imagine este interpretată ca o alegorie a păcatului.

În lumea modei, pictura a câștigat popularitate, deoarece diferiți designeri de modă au fost fascinați de motivele sale. Amestecând epoci și estetică, Piccioli a reinterpretat simbolurile lui Bosch cu rochii transparente zburătoare, în timp ce Rhodes a creat imprimeuri romantice și modele brodate ușor asemănătoare cu opera de artă originală. Culorile au fost cu siguranță o parte a mesajului pe care designerii au vrut să-l transmită. Astfel, colecția de rochii de vis zburătoare se bazează pe paleta de culori nordică a ouălor de mere verde, roz pal și albastru.

3. Dolce și Gabbana

Peter Paul Rubens a pictat cu măiestrie femeile cu dragoste, învățătură și sârguință. El și-a prezentat „Venusul în fața oglinzii” drept simbolul suprem al frumuseții. Peter și-a portretizat în exclusivitate fața ușoară și părul blond, care contrastează cu femeia de serviciu cu pielea închisă la culoare. Oglinda este un simbol absolut al frumuseții, care încadrează o femeie ca un portret și, în același timp, subliniază subtil goliciunea figurii. Oglinda pe care o deține Cupidon pentru zeiță arată reflectarea lui Venus ca reprezentare a atracției erotice și a dorinței. Rubens, care a fost unul dintre fondatorii artei baroce, și conceptul său de „culori peste linii” au influențat mai mulți creatori de modă, inclusiv Dolce & Gabbana. Stilul baroc s-a abătut de la spiritul Renașterii, a abandonat seninătatea și eleganța și a căutat în schimb eleganță, emoție și mișcare.

Creatorii de modă Domenico Dolce și Stefano Gabbana au dorit să creeze o campanie care să celebreze latura senzuală și romantică a frumuseții feminine. Peter Paul Rubens a fost cea mai potrivită sursă de inspirație. Creațiile duo-ului de cult erau în mare armonie cu arta artistului flamand. În această colecție, modelele au pozat cu o mare nobilime, arătând de parcă tocmai au renunțat la unul dintre tablourile lui Rubens. Decorațiunile au fost concepute pentru a semăna cu oglinzi baroce și detalii de broderie. Grațiozitatea figurilor și paleta de culori pastelate au fost frumos subliniate de rochia roz brocart. Alegerea designerilor de modă pentru a include o varietate de modele a contribuit în continuare la tipul de corp din acea epocă. Liniile curbate pe care le-au folosit Dolce și Gabbana s-au opus discriminării diferitelor tipuri de corpuri din industria modei.

Colecția Dolce și Gabbana pentru toamna anului 2012 prezintă multe dintre caracteristicile arhitecturii baroce italiene. Această colecție se potrivește perfect cu caracteristicile bogat decorate ale stilului baroc sicilian. Designerii s-au concentrat asupra arhitecturii baroce, așa cum se vede în bisericile catolice din Sicilia. Punctul de referință a fost pictura de Rubens „Portretul Anei Austriei”. În portretul ei regal, Anna Austriei este descrisă în mod spaniol. Rochia neagră a Annei este decorată cu dungi verticale de broderie verde și detalii aurii. Rochii și pelerine cu design artistic realizate din textile luxoase precum dantela și brocart au devenit principala caracteristică a spectacolului Dolce și Gabbana, care au cucerit lumea cu creativitatea lor.

4. Cristobal Balenciaga

Cristobal Balenciaga poate fi numit un adevărat maestru care a reformat moda feminină în secolul al XX-lea. Născut într-un mic sat din Spania, a adus esența istoriei artei spaniole în proiectele sale contemporane. De-a lungul carierei sale, Balenciaga a fost impresionat de Renașterea spaniolă. El a căutat adesea inspirație din familia regală spaniolă și din membrii clerului. Designerul de modă a transformat obiectele bisericii și hainele monahale din epocă în capodopere de modă purtabile.

Una dintre marile sale inspirații a fost manieristul El Greco, cunoscut și sub numele de Dominikos Theotokopoulos. Privind cardinalul El Greco Fernando Niño de Guevara, puteți vedea asemănările dintre pelerina cardinalului și designul lui Balenciaga. Pictura îl înfățișează pe cardinalul spaniol Fernando Niño de Guevara din vremea lui El Greco din Toledo. Ideile lui El Greco au fost împrumutate din neoplatonismul Renașterii italiene, iar în acest portret el prezintă cardinalul ca un simbol al harului lui Dumnezeu. Manierismul este prezent în întregul tablou. Acest lucru se remarcă într-o figură alungită cu un cap mic, membre grațioase dar bizare, culori intense și o respingere a măsurilor și proporțiilor clasice.

Pasiunea lui Balenciaga pentru îmbrăcămintea istorică este evidentă în această haină extravagantă de seară din colecția sa din 1954. A avut viziunea și capacitatea de a inventa forme în moda modernă. Gulerul exagerat al acestei haine ecouă stilul larg al pelerinei unui cardinal. Culoarea roșie a hainelor cardinalului simbolizează sângele și dorința lui de a muri pentru credință. Roșul vibrant a fost considerat de celebrul designer ca fiind extraordinar, deoarece a favorizat adesea combinații de culori îndrăznețe și nuanțe vibrante. Marea sa inovație a fost eliminarea liniei taliei și introducerea liniilor curgătoare, croieli simple și mâneci trei sferturi. Făcând acest lucru, Balenciaga a revoluționat moda pentru femei.

Designerul a introdus, de asemenea, mâneci până la brățări care permiteau femeilor să își afișeze bijuteriile. În anii 1960, odată cu introducerea treptată a femeilor în industria muncii, Balenciaga a avut ideea de a oferi confort, libertate și funcționalitate femeilor pe care le-a îmbrăcat. A promovat rochii largi, confortabile, care contrastează cu siluetele potrivite pentru formă ale zilei.

5. Alexander McQueen

Artist austriac, maestru al simbolismului și fondator al mișcării de secesiune vieneză, Gustav Klimt a pus bazele istoriei artei secolului XX. Picturile și estetica sa artistică i-au inspirat mult timp pe creatorii de modă. Alții precum Aquilano Rimondi, L'Rene Scott și Christian Dior, designerul care a făcut referire directă la Klimt a fost Alexander McQueen. În colecția Resort Spring / Summer 2013, el a proiectat piese unice care par să fie inspirate din opera artistului. Privind o rochie neagră curgătoare, cu un model de aur care se repetă deasupra - o imagine specifică poate veni în minte. McQueen a folosit modele abstracte, geometrice și mozaic în tonuri de bronz și auriu, încorporându-le în desenele sale.

În 1905, Gustav Klimt a pictat tabloul „Îmbrățișarea”, înfățișând un cuplu prins într-o îmbrățișare blândă, care a devenit un simbol al iubirii. Artistul austriac este cunoscut pentru picturile sale din aur, precum și pentru combinația perfectă de abstractizare și culoare prezentă în aceste lucrări. Toate mozaicurile au tonuri aurii bogate, cu înfrumusețări caleidoscopice sau naturale, care au avut o mare influență asupra modei. Această pictură este izbitoare datorită formelor geometrice contrastante dintre hainele celor doi îndrăgostiți. Îmbrăcămintea pentru bărbați este formată din pătrate negre, albe și gri, în timp ce rochia pentru femei este decorată cu cercuri ovale și motive florale. Astfel, Klimt ilustrează cu măiestrie diferența dintre masculinitate și feminitate. Alexandru a adoptat ceva similar pentru hainele sale.

6. Christian Dior

Fondator al impresionismului și unul dintre cei mai mari pictori francezi din istoria artei, Claude Monet a lăsat în urmă o mare moștenire artistică. Folosindu-și casa și grădina de la Giverny pentru inspirație, Monet a surprins peisajul natural în picturile sale. În special, în tabloul „Grădina artistului de la Giverny” a reușit să manipuleze peisajul natural în conformitate cu nevoile sale. Contrastul pistei maronii de murdărie cu culoarea vibrantă a florilor completează scena. Faimosul impresionist a ales deseori floarea irisului datorită culorii sale violete pentru a crea efectul unui soare strălucitor. Această pictură este plină de viață pe măsură ce florile înfloresc și se întâmpină, îmbrățișând primăvara. Petalele de trandafir și liliac, irisele și iasomia fac parte dintr-un paradis colorat, înfățișat pe pânza albă.

În aceeași ordine de idei, Christian Dior, un pionier al modei franceze, a lăsat o amprentă uriașă în lumea modei care se simte și astăzi. În 1949 a proiectat o colecție de haute couture pentru sezonul de primăvară / vară. Unul dintre punctele culminante ale acestei expoziții a fost rochia iconică Dior, brodată complet cu petale de flori în diferite nuanțe de roz și violet. Dior a ilustrat perfect cele două lumi ale artei și modei și a imitat estetica lui Monet în această rochie funcțională. A petrecut mult timp în mediul rural, pictându-și colecțiile în grădina sa din Granville, așa cum a făcut Monet. Astfel, el a definit stilul elegant Dior încorporând paleta de culori și modelele florale ale lui Monet în creațiile sale.

7. Yves Saint Laurent

Mondrian a fost unul dintre primii artiști care au creat artă abstractă în secolul al XX-lea. Născut în Olanda în 1872, a fondat o întreagă mișcare de artă numită De Stijl. Scopul mișcării a fost să unească arta contemporană și viața. Acest stil, cunoscut și sub numele de neoplasticism, a fost o formă de artă abstractă în care utilizarea numai a principiilor geometrice și a culorilor primare precum roșu, albastru și galben a fost combinată cu neutre (negru, gri și alb). Stilul inovator al lui Pete de la începutul anilor 1900 i-a obligat pe creatorii de modă să reproducă acest tip pur de artă abstractă. Cel mai bun exemplu al acestui stil de pictură este Compoziția cu culori roșii, albastre și galbene.

Iubitor de artă, designerul de modă francez Yves Saint Laurent a încorporat picturile lui Mondrian în creațiile sale de înaltă modă. El a fost inspirat pentru prima dată de opera lui Pete când a citit o carte despre viața artistului pe care mama lui i-a dat-o de Crăciun. Designerul și-a exprimat aprecierea față de artist în colecția sa de toamnă din 1965, cunoscută sub numele de colecția Mondrian. Inspirat de liniile geometrice și culorile îndrăznețe ale artistului, el a prezentat șase rochii de cocktail care sărbătoreau stilul său iconic și epoca anilor șaizeci în general. Fiecare dintre rochiile lui Mondrian era ușor diferită, dar toate aveau o formă simplă în linie A și o lungime a genunchiului fără mâneci, perfectă pentru fiecare tip de corp.

8. Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli, născută în 1890 într-o familie aristocratică din Roma, și-a exprimat în curând dragostea pentru lumea modei. A început să-și dezvolte stilul revoluționar, inspirat de futurism, dada și suprarealism. Pe măsură ce cariera ei a progresat, a interacționat cu suprarealiști și dadaiști celebri precum Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp și Jean Cocteau. A colaborat chiar cu artistul spaniol Salvador Dali.

Una dintre cele mai mari colaborări din istoria modei a fost colaborarea dintre Dali și Elsa Schiaparelli. Această rochie a fost creată împreună cu Salvador Dali ca parte a colecției de circ a lui Schiaparelli în vara anului 1938. Rochia se referă la pictura lui Dali, în care el înfățișa femei cu proporții corporale distorsionate.

Pentru artiștii suprarealisti, căutarea femeii ideale a fost sortită eșecului, deoarece idealul exista doar în imaginația lor, nu în realitate. Cu toate acestea, nu a fost intenția lui Dali să portretizeze femeile în mod realist, astfel încât corpurile lor nu sunt deloc estetice. Schiaparelli a dorit să experimenteze acest joc de ascundere și dezvăluire a corpului, creând iluzia vulnerabilității și nesiguranței. Halatul cu iluzia de lacrimi a fost confecționat din crep de mătase albastru pal, aducând tribut lui Salvador și femeilor sale disproporționate.

9. Gianni Versace

Era Pop Art a fost probabil cea mai influentă perioadă pentru creatorii de modă și artiștii din istoria artei. Andy Warhol a fost pionierul amestecului de cultură pop și modă înaltă, făcându-l un simbol iconic al mișcării pop art. În anii șaizeci, Warhol a început să-și practice tehnica de semnătură cunoscută sub numele de serigrafie.

Una dintre cele mai vechi și fără îndoială cele mai faimoase lucrări ale sale a fost Marilyn Diptych. Pentru această piesă, el s-a inspirat nu numai din cultura pop, ci și din istoria artei și artiștii expresioniști abstracti. Andy a capturat cele două lumi ale lui Marilyn Monroe, viața socială a unei vedete de la Hollywood și realitatea tragică a lui Norma Jeane, o femeie care se lupta cu depresia și dependența. Dipticul intensifică vibrația din stânga, în timp ce în dreapta dispare în întuneric și obscuritate. În încercarea de a reprezenta o societate de consum și un materialism, el a descris persoanele mai degrabă ca produse decât ca oameni.

Designerul italian Gianni Versace a avut o prietenie de lungă durată cu Andy Warhol. Ambii bărbați au fost fascinați de cultura populară. Pentru a onora Warhol, Versace i-a dedicat colecția sa de primăvară / vară din 1991. Una dintre rochii a prezentat imprimeuri Warhol cu Marilyn Monroe. El a încorporat portretele vibrante de mătase ale lui Marilyn și James Dean din anii 1960 în fuste și rochii maxi.

Și în continuarea subiectului modei, frumuseții și ideilor extraordinare, citiți și despre cum artiștii moderni au transformat machiajul într-o adevărată operă de artă.