Cum au fost create cele mai faimoase picturi din lume: povești fascinante ale picturilor marilor artiști

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Modificat ultima dată: 2023-12-16 00:16

Grigory Landau, jurnalist și filosof, a spus odată: „Arta este un dialog în care interlocutorul tace”. Pictura este o artă subtilă, alegorică, emoțională, care oferă libertate de interpretare. Aceasta este o lume întreagă de secrete nerezolvate și mistere nerezolvate. Să încercăm să deschidem vălul secretului asupra istoriei creației celor mai faimoase picturi ale marilor artiști.

# 1. Sfântul Gheorghe și balaurul, Paolo Uccello, 1470

De fapt, artista are două versiuni ale acestui tablou. În această versiune, George învinge balaurul, pe care Frumoasa Doamnă îl ține de lesă. Pictura are un profund sens religios. Potrivit legendei, un balaur s-a așezat în lacul unui oraș din Libia. Împăratul păgân a ordonat să i se sacrifice fete frumoase. Când nu mai existau tinere femei în oraș, împăratul și-a trimis propria fiică la dragon. Viteazul războinic George s-a dus să o salveze și l-a învins pe balaur. Prințesa de aici simbolizează Biserica creștină persecutată, balaurul - păgânismul și Gheorghe - credința creștină. Există versiuni pe care George, recunoscut ulterior ca un sfânt, îl călcă nu doar pe păgânism, ci pe diavolul însuși, „șarpele antic”.

# 2. Jaime La Couleur, Cherie Samba, 2003

„J'aime la couleur” este un autoportret al artistului. Iată cum dezvăluie sensul operei sale: „Culoarea este peste tot. Eu cred că culoarea este viață. Capul nostru trebuie să se rotească în spirală pentru a înțelege că tot ceea ce ne înconjoară nu este altceva decât culori. Culoarea este universul, universul este viață, pictura este viață."

# 3. Bath, Jean-Leon Gerome, 1885

Experții cred că această imagine și o serie de imagini similare din opera lui Ieronim simbolizează snobismul „alb”. Acest lucru poate fi văzut din dinamica figurilor descrise pe pânză. Femeia albă este subiectul dominant, în timp ce femeia neagră este supusă.

# 4. Grădina Deliciilor Pământene, Hieronymus Bosch, 1490-1510

Hieronymus Bosch este unul dintre cei mai misterioși artiști din lume. Simbolismul picturilor sale este atât de confuz încât este pur și simplu imposibil să găsim o singură explicație pentru numărul imens de simboluri descrise pe ele. Această lucrare specială și-a luat numele de la criticii de artă care au studiat-o. Numele original a rămas necunoscut. Istoricii cred că panoul din stânga al tripticului este cerul, cel central este viața umană păcătoasă modernă, iar panoul din dreapta reprezintă iadul. Dar imaginea ridică mult mai multe întrebări decât răspunde.

# 5. Sharpie, Caravaggio, 1594

Această lucrare nu este deloc o caricatură a viciului jocurilor de noroc murdare. Este mai degrabă o narațiune calmă despre care Caravaggio era foarte conștient. La urma urmei, artistul însuși și-a condus viața foarte frivol și chiar violent. Intriga se rezumă la a descrie o dramă care se desfășoară - o dramă a înșelăciunii și a inocenței pierdute. Tânărul naiv a fost luat în circulație de ascuțiți cu experiență. Bătrânul se uită la cărțile sale și dă semne unei alte înșelăciuni.

# 6. Watson și rechinul, John Singleton Copley, 1778

Imaginea prezintă un caz din viața reală. În 1749, în Havana, Brooke Watson, un băiat de 14 ani, a decis să facă o baie. Un rechin l-a atacat. Căpitanul navei pe care a servit băiatul, încearcă să-l salveze prin uciderea rechinului cu un harpon. Căpitanul nu a reușit decât la a treia încercare. Watson, în această bătălie inegală, și-a pierdut piciorul. Toată viața a mers apoi cu un picior de lemn. Acest lucru nu l-a împiedicat să devină primar al Londrei. În același timp, l-a întâlnit pe artist și i-a spus această poveste. Care a fost inspirația pentru John Copley.

# 7. Compoziția VIII de Wassily Kandinsky, 1923

Din copilărie, Kandinsky a fost fascinat de culoare. Artistul credea că are proprietăți transcendentale. Kandinsky și-a scris compozițiile ca compozitor al unei simfonii. Fiecare compoziție a reflectat viziunea artistului în propria perioadă de timp. Kandinsky a folosit forme geometrice în lucrările sale, deoarece credea în proprietățile lor mistice. Culorile figurilor reflectau emoții.

#opt. Saturn devorând un fiu, Francisco Goya, 1823

La bătrânețe, Goya a devenit surd și sănătatea sa în general, atât fizică, cât și psihologică, s-a deteriorat. Cu aceasta, istoricii asociază scrierea sa cu o serie de 14, așa cum erau numiți „Poze sumbre”. Pe care l-a pictat în interior pe pereții casei sale. „Saturn devorând un fiu” este unul dintre ei. Acesta este un bine cunoscut mit grecesc vechi despre titanul Kronos (mai târziu romanii l-au redenumit Saturn). Lui Cronus i s-a spus că va fi răsturnat de propriul său fiu. Și Saturn și-a mâncat toți copiii nou-născuți. În Goya, Saturn este descris ca un bătrân teribil, pe jumătate nebun, care mănâncă nu un copil, ci un copil adult. Există multe interpretări ale semnificației acestei pânze. Dar cel mai important lucru este că artistul nu a scris-o pentru public. Poate că în acest fel, Goya încerca să-și exorcizeze propriii demoni.

#nouă. The Deer at Sharkey, George Wesley Bellows, 1909

Artistul a descris o scenă comună din viața de zi cu zi din New York la începutul secolului al XX-lea. Un club privat de luptă, cum ar fi de obicei situat în cartiere sărace. Exterienii care nu erau membri ai clubului erau numiți „căprioare” acolo. Au primit membri temporari pentru a lupta. Bellows a pictat tabloul în așa fel încât, atunci când îl privești, ai impresia că te afli printre spectatorii bătăliei.

#zece. Un prieten în nevoie, Cassius Marcellus Coolidge, 1903

„A Friend in Need” este cel mai popular film din seria Dogs Playing Poker de Cassius Marcellus Coolidge. Această serie a fost comandată de Coolidge de Brown & Bigelow pentru a face publicitate la trabucuri. Deși picturile lui Coolidge nu au fost niciodată considerate adevărate arte de către critici, de atunci au devenit iconice.

#unsprezece. Mancatorii de cartofi, Vincent Van Gogh, 1885

Van Gogh a vrut să-i înfățișeze pe țărani așa cum sunt cu adevărat. Voia să arate un mod de viață complet diferit, diferit de clasele superioare. Mai târziu i-a scris sorei sale și a declarat că Manganii de cartofi a fost cel mai de succes tablou al său.

# 12. Pluta Medusei, Theodore Gericault, 1819

Pânza „Pluta Medusei” („Le Radeau de la Méduse”) descrie consecințele prăbușirii fregatei navale franceze „Medusa”. Unii dintre oameni se încadrează în bărci, pentru restul de 147 de persoane a fost construită în grabă o plută. Barcile trăgeau pluta. Dar, căpitanul, observând că pluta era prea grea, a ordonat tăierea corzilor. Aproape o sută și jumătate de oameni au rămas să se descurce singuri fără hrană și apă. Timp de 13 zile din călătoria lor pe plută, cu o speranță fantomatică de mântuire, din 147 de oameni au supraviețuit 15. Nebun de foame și sete, oamenii s-au mâncat reciproc și au băut sânge. Franța a vrut să ascundă această poveste rușinoasă, dar a fost prea flagrantă și nu a reușit.

# 13. Barge Haulers on the Volga, Ilya Repin, 1873

Această lucrare este cea mai faimoasă de Ilya Repin. Imaginea a devenit un cult. Munca pe care artista a desfășurat-o a fost serioasă. Repin i-a întâlnit personal pe toți transportorii de barje descriși în tablou. Artista a scris sute de schițe și a petrecut 5 ani la această lucrare. Atât istoricii, cât și contemporanii consideră că pictura este o condamnare directă a muncii grele a claselor asuprite. Deși, Repin a negat întotdeauna această opinie.

#paisprezece. Susanna și bătrânii, Artemisia Gentileschi, 1610

Susanna și bătrânii este o poveste biblică din Vechiul Testament. În timpul împăratului Nebucadnețar, poporul evreu a căzut în sclavia babilonienilor. Printre ei se aflau Susanna cu soțul ei Joachim. Femeia avea o frumusețe nepământeană și doi bătrâni au dorit-o. Au amenințat-o că, dacă Susanna nu ar fi bună cu ei, le-ar spune oamenilor că este o adulteră. Femeia a refuzat, iar bătrânii s-au conformat amenințărilor lor. Ea a fost condamnată la moarte conform legii evreiești. Dar apoi a intervenit tânărul profet Daniel. El a venit cu ideea de a interoga bărbații, mai întâi separat și apoi împreună. Versiunile lor nu au coincis, calomnia a fost dezvăluită. Susanna a fost achitată, iar bătrânii au fost executați. Este foarte remarcabil faptul că artista avea doar 17 ani când a pictat acest tablou. Pentru Artemisia însăși, ea a devenit profetică, pentru că, mai târziu, i s-a întâmplat o poveste similară.

# 15. Clinica Gross, Thomas Eakins, 1875

Intriga acestei imagini se bazează pe o operațiune asistată de Eakins. A fost realizat de unul dintre cei mai buni chirurgi din America, Dr. Samuel Gross. Operația a fost efectuată în sala de clasă în fața elevilor în scopul predării. Medicul a arătat cum să trateze infecția printr-o operație conservatoare, mai degrabă decât prin amputarea întregului membru (care era standard în acel moment). Pânza descrie realitatea fără înfrumusețare: atât profesionalismul calm al lui Gross, cât și suferința femeii din colțul din stânga jos. Cercetătorii cred că mama pacientului. Criticii și spectatorii au apreciat lucrarea, spre disperarea lui Eakins, extrem de negativă. Oamenii care contemplau cu calm comploturile bătăliilor sângeroase nu erau pregătiți să contemple realismul unei operații medicale.

# 16. Rătăcitorul deasupra mării de ceață, Caspar David Friedrich, 1818

„Rătăcitor peste marea de ceață” („Der Wanderer über dem Nebelmeer”) este o pânză în care artistul a rămas fidel stilului său romantic. În imagine, Friedrich s-a descris pe sine, stând singur cu spatele la privitor pe o stâncă abruptă întunecată. „Rătăcitorul deasupra mării de ceață” este o metaforă. Este vorba despre auto-reflectare, despre un viitor necunoscut. Friedrich a spus despre această lucrare în acest fel: „Un artist trebuie să deseneze nu numai ceea ce este în fața lui, ci și ceea ce vede în el însuși”. # 17. The Harvesters, Jean-Francois Millet, 1857

Pictura Des glaneuses înfățișează trei femei țărănești care colectează spiculele rămase după recoltarea unui câmp. Munca grea și umilă a țăranilor a stârnit simpatie artistului. Aceste emoții au fost exprimate în imagine. Dar în societate, lucrarea a atras critici negative din partea claselor superioare. Franța a cunoscut recent o revoluție și nobilimea a găsit această imagine ca un memento neplăcut că societatea franceză este construită pe munca claselor inferioare. Și, din moment ce clasa muncitoare depășea clasa superioară, se temeau că imaginea, cumva, ar putea împinge clasa inferioară la revoltă.

#optsprezece. Țipătul, Edvard Munch, 1893

Țipătul este una dintre cele mai misterioase capodopere ale picturii mondiale. Munch a spus că odată a ieșit la plimbare la apus. Lumina soarelui apus a vopsit norii cu un sânge roșu. Și Munch a auzit brusc, a simțit, așa cum a spus, „strigătul nesfârșit al naturii”. O altă explicație ar putea fi rezultatul stării emoționale a lui Munch, deoarece sora lui a fost trimisă recent la un azil de nebuni. Această pictură a fost răpită de multe ori. Intriga poate fi considerată profetică: la sfârșitul secolului al XIX-lea, Munch a descris catastrofele secolului al XX-lea.

# 19. Marele val de la Kanagawa, Katsushika Hokusai, 1829 - 1833

Compoziția este formată din trei elemente principale: o mare furtunoasă, trei bărci și un munte. Muntele acoperit de zăpadă este Muntele Fuji, pe care japonezii îl consideră sacru. Este un simbol al identității și frumuseții naționale. Astfel de jocuri cu spațiu și culori strălucitoare, neobișnuite pentru pictura asiatică. Imaginea simbolizează teama unei persoane față de un element indomitabil și supunerea forțată față de acesta.

#douăzeci. Noaptea înstelată, Vincent Van Gogh, 1889

„Noaptea înstelată” este o capodoperă pe care, după ce ați văzut-o o singură dată, nu o veți mai uita niciodată. Artistul a pictat-o în timp ce se afla într-un spital pentru bolnavi mintali. Aceste fluxuri de vortex, stele uriașe … Unii cred că Van Gogh a reprezentat o vedere de la fereastră. Dar bolnavilor nu li s-a permis să iasă în stradă, ba chiar li s-a interzis să lucreze în secție. Fratele lui Vincent a cerut conducerii spitalului să-i dea o cameră pentru a putea scrie. Cercetătorii cred că Van Gogh a descris în pictura sa un fenomen precum turbulența - vartejul curge din apă și aer. Acest lucru nu poate fi văzut, dar percepția sporită a artistului l-a ajutat să vadă ceea ce este ascuns de ochii muritorilor obișnuiți. 10 capodopere dispărute și nou găsite de mari maeștri. Bazat pe materiale